Arte idealista

Arte Idealista

El arte idealista intentaba hallar una representación precisa y exacta de la realidad, pero el artista intenta mejorarla, muy parecida al arte realista pero con la diferencia que los artistas interpretaban su realidad a través de su sentimientos y su sensibilidad, no se reflejan los elementos y objetos como son sino como se desea que sean. De esta forma se pueden observar que la representación que hacían los artistas de la realidad solía ser abstraída con el único objetivo de quitar cualquier signo de refinamiento, por lo tanto solo se mostraría la belleza. Esa es la razón por la que cuando se plasma una escena se eligen diferentes elementos u objetos tomando lo mejor de cada uno y reuniéndolos en un mismo, expresando los valores de estética como la mesura, el equilibrio y la elegancia. Quieren, en sus obras, evitar el desequilibrio, el exceso, los contrastes violentos y la vulgaridad.

Además, cuando hablamos de arte idealista tenemos que tener en cuenta que es un arte que está enlazado con leyes académicas y que tiene como base para realizar sus obras la antigüedad greco-latina.

Diferencias con el realismo

En general, los términos idealismo y realismo suelen confundirse, pero existen muchas diferencias entre ambos que resulta necesario señalar.

En principio, ambos conciben el origen del conocimiento de manera diversa; el realismo sostiene que se da en las cosas, mientras que el idealismo lo define como una actividad que realiza el hombre para elaborar conceptos.

El realismo plantea la existencia de las cosas independientemente de nuestro razonamiento o de nuestros procesos intelectuales. Por otro lado, el idealismo defiende la participación de la mente para la concepción, por ejemplo, de las leyes, las matemáticas o el arte, las cuales no tendrían lugar sin nuestra intervención.

Estilos del arte Idealista

Existen algunos estilos que conforman el arte idealista, estos estilos de arte han ido apareciendo a lo largo de la historia de arte y son:

Arte clásico

El arte clásico se interpreta como el conjunto de formas artísticas que se mezclan a partir de las diversas influencias de una sociedad humanista como la griega y tienen su continuidad práctica en el mundo romano. Se desarrolla durante el primer milenio a.C. y hasta la primera mitad del primero d.C., como expresión plástica de las civilizaciones griega y romana. El arte clásico consideraba que las disciplinas artísticas no eran las normales como las bellas artes (escultura y arquitectura) sino que también consideraba que el arte eran las artes menores.

Respecto a la arquitectura, los griegos, después de conocer los templos pétreos de los egipcios, comenzaron en el siglo VII a.C. A construir sus propios templos en piedra, con un estilo propio y específico. Utilizaron la piedra caliza en el sur de Italia y Sicilia, el mármol en las islas griegas y en Asia Menor y la caliza revestida con mármol en el continente. Más tarde levantaron sus edificios principalmente de mármol.

Renacimiento

Se denomina Renacimiento al movimiento cultural que surge en Europa en el siglo XIV y XV, llegando a su apogeo en el siglo XVI. De Italia se extiende lentamente por Europa, excepto Rusia.

Respecto al renacimiento italiano se origina en las ciudades que florecieron en el centro y norte de Italia, como Florencia, Milán y Venecia, su riqueza financió los logros culturales renacentistas. El Renacimiento se ha caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromanoclásico y especialmente por su arte, realzando una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón, buscando la serenidad, el equilibrio y la perfección.

Manierismo

Es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento en el 1530, hasta los comienzos del período Barroco, hacia el año 1600.

Se originó en Venecia, gracias a los mercaderes y en Roma gracias a los papas, Julio II y León X, pero finalmente se extendió hasta España, Europa Central y del norte. En este estilo se quería imitar a los Grandes Maestros. El Manierismo supone, con respecto al renacimiento clásico, un distanciamiento que se empieza a producir a partir de la fecha de la muerte de Rafael, en 1520. Este estilo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales.

Este arte es dificultoso ya que en un principio se decía que el manierismo era una copia de artística de algunos artistas que destacaron en el Alto Renacimiento, pero poco después se llegó a la conclusión de que era una lucha contra la idea que había de belleza en la época clásica.

Barroco clasicista

El arte Barroco Clasicista fue encarnado por Annibale Carracci y sus seguidores, como Guido Reni, Domenichino, Lanfranco, Guercino, entre otros. Buscan una fórmula de compromiso entre la movilidad y teatralidad típica del barroco con ciertas ideas heredadas del Alto Renacimiento, siendo especialmente consideradas las figuras de Rafael, sobre todo su armonía formal en las composiciones y exquisitez en los tipos, Miguel Ángel y sus anatomías hercúleas, a menudo contorsionadas por la forma serpentinata y los venecianos, con su pincelada suelta para los fondos y su carácter colorista. Esta etapa fue un movimiento intelectual, cultura y estético que intento inspirarse en cánones filosóficos y estéticos de la Antigüedad clásica, pero se fue desarrollando y evolucionando dando así lugar a estilos y movimientos propios.

Neoclásico

El Neoclasicismo es el estilo de la burguesía y triunfa en el último tercio del siglo XVIII, incluso antes de iniciarse la revolución, la burguesía ya tiene un peso social importante. Sus orígenes estéticos están en la reacción ante el barroco y los filosóficos están en una mirada distinta sobre el poder y la sociedad.

En lo que llamamos Neoclasicismo hay que distinguir dos corrientes: Una primera que responde a pura reacción estética contra el barroco y la otra la otra corriente que responde a los postulados ilustrados: funcionalidad, racionalidad, claridad…

Se recupera el gusto por la Antigüedad y el Renacimiento como modelos.Gusta más el arte griego que el romano, siendo el lenguaje artístico sencillo y decorativo.Los temas son “clásicos” aplicados al momento, las formas, técnicas y materiales son los que se aplicaron en la Antigüedad y en el Renacimiento.

Academicismo

El academicismo es una corriente artística que responde a las instrucciones de la Academia de Bellas Artes de París y al gusto medioburgués, como herencia del Clasicismo.Se recurre al uso de recursos artísticos tradicionales, establecidos por reglas de una Academia, y que aluden al tratamiento de la luz, el color, la perspectiva, el dibujo, etc. Su propósito es defender la posibilidad de enseñanza de todo aspecto de la creación artística por medio de reglas comunicables, desechan la idea de genio, movido por la inspiración divina o por la intuición y talento individuales, rompiendo con la visión de arte como artesanía.

Ukiyo-e

Es un género de grabados realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera, producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne. El Ukiyo-e era accesible dado que podía ser producido de forma masiva. Eran en su mayoría adquiridos por habitantes que por lo general no tenían el dinero suficiente como para comprar una pintura original.

Simbolismo

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo, interesándoles la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad.

Prerrafaelismo

Es un movimiento artístico que surge en Inglaterra a mediados del siglo XIX constituido por Millais, Hunt y Rossetti , que fueron los fundadores de la Hermandad de los Prerrafaelitas en 1848, que tiene como objetivos luchar contra el academicismo, los males de la sociedad industrial y el convencionalismo de la época victoriana, ntentando recuperar un arte más espontáneo, buscando la inspiración en la naturaleza y en los maestros antiguos del Renacimiento, anteriores a Rafael ,de donde procede el nombre. Su temática favorita varía entre el intimismo burgués, asuntos de la vida moderna, episodios inspirados en la literatura y escenas religiosas

Art Decó

Conocemos por Art Decó a aquel estilo artístico que tuvo lugar en las primeras décadas del siglo XX aunque su período de mayor auge y crecimiento fue la década de 1920. El Art Decó surgió en la ciudad de París pero se hizo presente en varios países a lo largo de Europa así como también en Estados Unidos y algunos países sudamericanos. Encontramos obras del Art Decó tanto en la pintura como en la escultura pero principalmente en la arquitectura.

Tiene como elementos fundamentales a las formas geométricas y a las líneas simples y rectas, sin presentar exuberancia y exageración y una búsqueda de la simplicidad y de las formas más autenticas antes que del lujo y del gasto, sin perder el interés por la belleza y el arte.nfluenció en las artes decorativas como por ejemplo en el diseño interior, en el diseño gráfico, en la arquitectura, entre otros. Además se puede ver también reflejado en las artes visuales.

aqui un video poco mas explicativo

Arte Mexicano

Arte Mexicano.

El arte mexicano es el arte que se desarrolló a través de los indígenas que fueron ligando al arte como las clases más importantes y con la religión por lo tanto, no se podía hacer una distinción entre escritura, arte o arquitectura. Tiempo después fue la conquista española quien asocio su arte con la decoración y la construcción de diferentes iglesias. Por ello, durante los siglos siguientes a la conquista española esta modalidad de arte se fue desarrollando por otros países de Europa, aunque el principal fue España.

El arte mexicano comienza con el arte mesoamericano, creado por culturas sedentarias que construyeron ciudades, y a menudo dominios.Una vez acabó la independencia, el arte mexicano se le caracterizo por tener un estilo muy europeo y siguió con sus preferencias hasta el siglo XX, pero esta vez apareció el muralismo en México. Por lo tanto, este estilo artístico fue creciendo y desarrollándose hasta otro tipo de estilos de arte como pueden ser la artesanía o la fotografía y no fue hasta 1950 cuando se rompió totalmente con el estilo muralista y se integraron elementos de otros tipos de arte como podía ser el arte asiático.

Origen del arte mexicano

Para poder hablar del origen de este tipo de arte tenemos que diferenciar en diferentes etapas.
Etapa Prehispánica: El arte prehispánico en México pertenece a una región cultural conocida como Mesoamérica, en el centro de México en Centroamerica y abarca tres mil años desde 1500 A.C. hasta el 1500 de nuestra era, esta etapa se ha dividido en tres eras: Pre-Clásico, Clásico y Pos-Clásico. La primera cultura dominante de Mesoamérica fue la de los olmedas,   fue la creadora de muchos de los elementos asociados a Mesoamérica, como el sistema de escritura, los calendarios, avances en astronomía, esculturas monumentales siendo los creadores de otras culturas como la de Teotihuacan, el pueblo zapotecom y la cultura maya.
Esta cultura olmeda creaba figuras de cerámica que eran producidas en tamaños pequeños, pero las esculturas de gran escala alcanzaban los 55 cm. El arte de esta cultura estaba relacionado con las necesidades religiosas y políticas, es decir, básicamente trataban la realidad de lo que era la política y la fuerza divina. Las maneras de representación eran variadas entre las que estaban la arquitectura, cerámica, papel amate, entre otros.
El arte mexicano se expresa en una variedad de medios, como la cerámica, el papel amate y la arquitectura. La cerámica data desde antes del periodo mesoamericano, comenzó creando  vasijas de cocina y almacenamiento y más tarde se fue adaptando  al uso para rituales o en decoración. La cerámica era decorada por la forma, la pintura y los diferentes métodos de cocción, los temas utilizados eran la mayoría de mujeres, que eran asociadas a ritos de fertilidad, debido a sus caderas y muslos de gran tamaño, así como figuras que cargaban bebés o de enfermeras y las figuras de hombres son en su mayoría representaciones de soldados.
La más antigua conocida era la puramente artística, con la cual se producían pequeñas figuras de cerámica que aparecieron en el área de Tehuacán alrededor del 1500 A.C. Referenta a las pinturas mesoamericanas eran plasmadas en diversas formas, pueden ser murales, códices prehispánico de Mesoamérica  y pinturas en objetos de cerámica, con temas como figuras humanas de hombres, mujeres o asexuales, puedes estar desnudos o elegantemente vestidos, plasmando el estatus social,  escenas de guerra, sacrificios, a los dioses o a los nobles o  escenas de la vida diaria de gente común y corriente
Etapa colonial: esta etapa surgió en la conquista española hasta finales de ella. Por ello, el arte mexicano siempre fue una interacción muy compleja y constante entre los materiales y visiones nativas y los materiales y visiones europeas. Mucho después de la dicha conquista las representaciones que se realizaron fueron con temas evangelistas y con construcciones de iglesias. Durante el periodo colonial los artistas trabajaban en grupos y  cada uno de estos grupos tenía sus propias reglas, preceptos, mandatos y técnicas de innovación para sus obras de arte.
Los primeros monasterios construidos en la ciudad de México, que no tenían mucha decoración, tenían elementos de la arquitectura del Renacimiento, plateresco y gótica, aunque el estilo dominante de arte y arquitectura durante el periodo colonial fue el Barroco, que se desarrollo por todo México haciendo  que se crearan sub-estilos y técnicas, como el barroco estucado, que  era puramente decorativo, el barroco Talavera, que usaba los azulejos de cerámica pintados a mano, el estilo churriguerismo  mexicano, extendiéndose  a la escultura y al mobiliario tallado.

El arte religioso colonial fue patrocinado por las autoridades de las iglesias y patrocinadores privados. La construcción de iglesias tenían grandes decorados y muchas obras religiosas serían características de la época colonial. El arte colonial se mantuvo con un estilo completamente europeo con la característica de usar colores apagados. Uno de los primeros trabajos realizados se llamó “Tequitqui”.

Etapa del siglo XIX: el arte mexicano tuvo una gran influencia con el arte neoclásico, por ello muchas de las obras que podemos observar de arte mexicano se ve distintas y diversas características del neoclasicismo. Aunque pasado algunos años volvieron a surgir los temas de los antiguos indígenas que fueron representándose con las influencias neoclasitas. Existieron dos razones por las cual se desarrolló la modificación de los temas: la primera de ellas es que la población mexicana inició una desacreditación a la cultura colonial, la segunda razón fue un movimiento artístico que se originó en 1830 y que afecto no solo a México sino a todo el mundo.En la primera mitad del siglo XIX, el estilo romántico de las pinturas fue introducida en México y en América Latina por los viajeros extranjeros que se sentían interesados por el nuevo país independiente.

Durante esta época algunos artistas siguieron a los pintores románticos europeos, en su deseo de documentar las diversas culturas de México, siguiendo el  estilo del Costumbrismo derivado de la palabra “costumbre”. El estilo de estos pintores no solo era renacentista, también utilizaban otros más. A mediados y finales del siglo XIX, las Academias de América Latina comenzaron a convertirse del fuerte neoclasicismo a la Academia realista, con representaciones más realistas, con especial énfasis en los detalles. Los temas más plasmados eran retratos de clases altas, escenas bibásicas y batallas, especialmente las de la época de la independencia.

El arte del siglo XIX, empezó a decaer la independencia, sobre todo a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, que fue un periodo conocido como el Porfiriato, y durante este tiempo, la pintura, la escultura y las artes decorativas se limitaron la mayoría a imitaciones del estilo europeo, en especial en los temas religiosos.

Etapa del siglo XX:  la revolución mexicana  de 1910 a 1920 tuvo dramáticos cambios en el arte mexicano, creandose una producción de arte en relación con la propaganda política, conocida como el Movimiento Muralista Mexicano, que redefinió el arte mexicano, siendo José Vasconcelos  el iniciador del movimiento Muralista en México. El primer protagonista en la producción de murales modernos en México fue Gerard Murillo, luego le siguieron Diego Rivera, David Alfareo Siqueiros, José Clemente Orozco y Fernando Leal,  artistas formados con las técnicas clásicas europeas y muchas de sus primera pinturas son imitaciones de las pinturas de moda de Europa. El movimiento Muralista  alcanzó su apogeo en las década de 1930.

El primer movimiento importante después del muralista fue el de la Genaración de la Ruptura, que comenzó en los años 1950 y 1960, con pintores como José Luis Cuevas, Gilberto Aceves Navarro y Rafele Coronel, que rechazaron el realismo social y el nacionalismo e incorporaron el surrealismo, las paradojas visuales, y elementos y estilos de la pintura del viejo mundo. A partir de los años 1960 y 1980, el arte neo-expresionista fue representado en México por Manuel Felguérez, Teresa Cito, Alejandro Pinatado y Jan Hendrix, realizando  obras abstractas, con trabajos no figurativos, llenas de color y contraste. 

A mediados de la década de 1980, el siguiente movimiento importante en México fue el Neomexicanismo, una versión un poco surrealista, un tanto kitsch y postmoderna del realismo social que se centró en la cultura popular en vez de la historia. El arte mexicano  de la década de 1990 hasta la actualidad se clasifica como Postmoderna, con artistas importantes como Betsabeé Romero, Mónica Castillo, Francisco Larios, Martha Chapa y Diego Toledo. El arte mexicano alcanzó de nuevo su apogeo en la década de 1990, gracias a los bienales, ferias de arte y exposiciones internacionales fuera de México.

Características principales de este tipo de arte

Existen diferentes características con las cuales se puede diferenciar a esta clase de arte, entre ellas podemos destacar:

• Representación de objetos cotidianos. Un ejemplo de esto podrían ser animales, alimentos, objetos, entre otras cosas.
• Este tipo de arte está compuesto por creencias, supersticiones y tradiciones.
• Fabricaciones manuales de las producciones artesanales.
• Los objetos ornamentados estaban caracterizados por temas poéticos, funcionales, artísticos, estéticos y lúdicos.
• Este arte destacaba sobre todo en las artesanías, cine y la fotografía aunque también puede verse en la arquitectura y la pintura.
• Sus pinturas eran muy coloridas, ya que usaban colores llamativos para ellas.

Existen diversas características más aunque las principales serían las que hemos nombrado anteriormente.

Arte Rupestre

El arte rupestre 

El arte rupestre es todo aquel dibujo prehistórico que se halle en rocas y cavernas, es la primera manifestación que en la era Prehistórica hizo el hombre a través de pinturas, antes que comenzase la escritura. Siendo esta  manifestación artística  considerada como una de las más antiguas de las que se tiene constancia, ya que existen testimonios que se remontan a  40 mil años, o sea, tras la última glaciación.

El arte rupestre es esencialmente una expresión espiritual primitiva, que  ésta en casi todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los continentes menos en la Artántida, siendo en España y en Francia donde se encontraron las manifestaciones más antiguas y con mayor relevancia.
En resumen a todo esto podríamos decir que el hombre ha ido representando en piedras, paredes rocosas y cuevas a millones de animales, objetos o plantas, incluso hay pinturas rupestres que reflejan la sucesos de la vida cotidiana, figuras geométricas o signos, entre otros. Por ello, se consideran las obras más antiguas que representan el pensamiento y la destreza de la persona que realizó las pinturas. Es por ello por lo que se piensa que antes de aparecer la escritura en la vida humana, aparecieron las pinturas rupestres reflejando los pensamientos, creencias y vivencias de sus autores. Estas obras rupestres se representaban de forma sintética, dejando ver la capacidad intelectual que tenía la humanidad para representar la realidad de esos momentos.

Por ello el arte rupestre, nos da a entender que el ser humano, desde la prehistoria hasta la actualidad, organizaba una manera de representar artísticamente todo lo que estaba en relación con el ideal religioso-mágico que tenían. No había un determinado sitio para realizar estas pinturas y es por eso por lo que ha sido de gran dificultad encontrar alguna de ellas ya que muchas se encontraban lejos de donde ellos habitaban en ese momento.

El descubrimiento del Arte Rupestre

Las obras rupestres no se encontraron hasta mitad del siglo XIX en Europa que se encontró en varias cuevas diversos objetos creados con hueso o piedra que estaban tallado con una imagen de algún animal. Pero hasta el año 1879 no se descubrió las primeras pinturas, importante hallazgo fue las pinturas rupestres en el techo de  la cueva en Altamira unos bisontes multicolores, en Santander, descubierta por Marcelino Sanz de Sautuola. Al principio este hallazgo fue negado su autenticidad, pensando que la sociedad prehistórica no tenían la capacidad para crear estas representaciones.  Pero cuando se empezaron ha encontrar más hallazgos de estas representaciones en Francia y España la cosa ya cambió.

Pero las pinturas y grabados sobre las paredes de las cuevas y abrigos no fueron la única expresión artística de la Prehistoria. También se realizó pintura sobre cantos rodados, escultura, cerámicas decoradas, objetos ornamentales.

Estilos principales del Arte Rupestre

Arte Paleolítico: datado entre 40.000 y 10.000 a. C., es el arte de cavernas profundas, galerias recónditas y oscuras, representaciones naturales y estáticas. Usaban diferentes colores rellenando toda la figura y no representaban figuras humanas, sino animales como el bisonte, caballos, ciervos, osos, dibujándolos aislados o en grupo. Tambien se han encontrado representaciones de signos abstractos y de manos. La representación más importante fue la de las cuevas de Altamira.

Arte Levantino: datado entre 6.000 y 4.000 a.c., este estilo se da en abrigos o covachos de escasa profundidad donde la luz solar penetraba sin dificultad. Se representaban animales como los cérvidos, cápridos y bóvidos, en manadas o en solitario. Son representaciones de perfil con los cuernos y pezuñas de frente, llamada esta técnica perspectiva torcida. La representación de la figura humana adquiere protagonismo llegando a ser el tema principal, aparecen escenas de caza, danzas, luchas, de trabajo agrícola, recolección de miel, la domesticación de animales, entre otras, resaltando el movimiento. Se encontraron pinturas de Arte Levantino en Huesca, Lérida, en el sur de Tarragona, Teruel, este de Cuenca, Valencia, entre otras ciudades.

Arte esquemático: datado entre 4.000 y 1.000 a.c. Según en las zonas donde se ha encontrado las manifestaciones, parece de origen propio o de una evolución del arte Levantino. Las figura empiezan a ser muy sintéticas, incluso algunas inidentificables, con una simplificación y esquematismo que lo podemos entender como un paso a la abstracción. Aparecen figuras humanas y de animales muy simplificadas, con composiciones escénicas, signos abstractos desconocidos en el arte Levantino. Resalta la esencia y el dinamismo.

Técnicas destacadas, colores y temática de las pinturas rupestres

En el Paleolítico las pinturas rupestres estaban caracterizadas por líneas y animales. En el Neolítico se empezaron a representar seres humanos, manos, animales, además se dibujaba el comportamiento que tenían frente a las criaturas de su alrededor. Dentro las pinturas de animales lo que más se representaban era renos, ciervos, caballos, mamuts y bisontes que normalmente estaban heridos con lanzas o flechas. A la hora de hablar del color solo utilizaban uno o dos colores, entre los que destacan estarían el rojo, amarillo, ocre y negro. Estos colores se adquirían material vegetal como podría ser el carbón, la arcilla o el óxido de manganeso, entre otros.

Realmente no tenían una técnica  muy elaborada ya que untaban los dedos con los colores y pintaban sobre una superficial, aunque también tallaban la dibujo en la roca, incluso había algunos que cogían una caña y trazaban líneas con los colores. Los lápices eran  bolas ramas que quemaban o bolas de colorante mineral mezcladas con resina. En muchas ocasiones la pintura rupestre nos ha rebelado que los primitivos utilizaban las hendiduras de la pared y sus desniveles para que se tuviera la impresión de realismo y volumen.

Entre las más antiguas se cuenta las pinturas de la Cueva de Altamira, en Santallina del Mar, Cantabria, España.

Respecto de la magnífica conservación que presentan muchas de estas piezas artísticas, aún a pesar de la erosión, se debe mencionar que es justamente por el soporte en el cual han sido pintadas el motivo de esa perduración a través del tiempo.

En tanto, la existencia de estas fabulosas creaciones demuestra a las claras que desde tiempos inmemoriales el ser humano estuvo involucrado y comprometido con el arte.
Ahora bien, en lo que respecta a la motivación nos encontramos con que en algunos casos las pinturas rupestres tienen una fuerte carga mágico-religiosa, utilizándoselas con la única razón de ser la antesala de una caza exitosa. Cuando se trata de este tipo de situación, es común que las mismas se hallen en aquellas zonas más recónditas y escondidas de la caverna o cueva, en cambio, cuando las manifestaciones artísticas se disponen a la vista de todos se cree que es la consecuencia de la simple adopción del arte como una actividad más dentro de la vida cotidiana de aquellos tiempos.

 

10 pinturas rupestres famosas

Cueva de Altamira: en España, fue el primer lugar donde se encontró arte rupestre en el Paleolítico Superior. Se conservan muy bien las pinturas encontradas, con una longitud de unos 270 metros dentro de la cueva, siendo lo más destacado sus pinturas policromas.

Refugios rupestres de Bhimbetka: en la India, al pie de los montes Vindhyan, se encontró estas manifestaciones de arte rupestre siendo declarado Patrimonio de la Humanidad, siendo pinturas del periodo Mesolítico llegando a épocas recientes.

Cueva de Magura: en Bulgaria, sus pinturas están decoradas con guano de murciélago y representan distintas escenas de personas cazando y bailando, animales y plantas, teniendo la cueva una longitud de unos  a 2.500 metros.

Cueva de las manos: en Argentina, es la expresión artística más antigua conocida de los pueblos indígenas hace 12.000 años. En sus paredes se encuentran impresas las 729 manos que dan nombre a la cueva, así como guanacos, figuras geométricas y escenas de la vida cotidiana, siendo también Patrimonio de la Humanidad.

 Pinturas rupestres de Kakadu: en Australia, se encuentra  el Parque Nacional de Kakadu, con más de 5.000 yacimientos y diferentes emplazamientos rupestres que contienen vestigios del arte de los aborígenes australianos que habitaron el lugar hace 20.000 años.

Pinturas de Ukhahlamba-Drakensberg: en Sudáfrica, sus tribus dejaron en sus pinturas las huellas de sus costumbres y de sus tradiciones religiosas, hace unos 8.000 años.

Cueva de Lascaux : en Francia, sus pinturas datan de entre los 13.000 y los 25.000 años a. d. C. Fue descubierta por casualidad en el año 1940, con el fin de preservar las pinturas la cueva fue cerrada al público y se ha habilitado una réplica de los emplazamientos más característicos del sitio

Pinturas de Twyfelfontein: en Namibia, donde se encuentra la mayor  concentración de arte rupestre de África, también declarado como Patrimonio de la Humanidad en el año 2007.

Cueva Chauvet: en Francia, siendo las representaciones de mamuts, rinocerontes, leones y osos los más importantes , descubierta en el año 1994.

Líneas de Nazca: en Perú, siendo lo geoglifos los más famosos del mundo, trazando líneas, que forman trazados geométricos perfectos y representan animales, plantas, siluetas humanas y laberintos, llegan a medir 275 metros de largo.

Aquí podemos ver un breve vídeo explicativo sobre el Arte rupestre

Arte óptico

Arte óptico

Es una corriente artística abstracta, que surgió a partir del movimiento abstracto-constructivista representado por el suprematismo, De Slijl y la Bauhaus, también se conoce como Op art u Optical art. Nacida en Estados Unidos en el año 1958. Este tipo de arte utiliza sobre todo ilusiones ópticas, basada en la composición de fenómenos puramente  ópticos, sensaciones de movimiento e una superficie bidimensional, es por eso, por lo que en todas las obras que se han realizado en el arte óptico hacen que el espectador colabore de manera activa ya sea desplazándose o moviéndose para intentar captar el efecto óptico, es por esto por lo que este tipo de obras no tienen ninguna apariencia emocional. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Es un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.Se utiliza la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

El arte óptico como movimiento artístico data de finales de la década del 50, hasta mediados de los 60 se conformó como una tendencia formal, más tarde por el 1965 ,el museo de arte moderno de New York (MoMa), organizara una exposición con el nombre de The Responsive Eye.

  
El arte óptico es una corriente pictórica a diferencia del arte cinético que es escultórica. Por ello, las técnicas más destacadas del Op art son:

• Se utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables, o acromático usando el negro, blanco o gris.
• Los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia, en el arte Op Art no puede ser creado sin ambos.
• Crear  un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento.
• Líneas paralelas que pueden ser sinuosas o rectas
• Los contrastes tienen que ser cromáticos y muy marcados. Existen dos tipos o poli o bicromáticos.
• Hay cambios de tamaño y de forma
• Se mezclan o se repiten figuras y formas.
• Usan muchas figuras geométricas como pueden ser: rectángulos, triángulos, círculos y cuadrados.

Después de la Segunda Guerra Mundial se desarrolla una nueva etapa de artistas abstractos, estos artistas no se preocupan solo de representar en sus obras sentimientos sino que también pide al espectador que tenga una actitud activa hacia ellos. En las obras artísticas que realizan el ojo humano tiene que estar observando la obra detenidamente y percibir que se mueve, aparte de buscar el inicio y el fin de ella. En periodo, comentado anteriormente, el centro de este tipo de arte era Nueva York.

En resumen el arte óptico es una modalidad artística abstracta que se basa principalmente en la representación pictórica de un fenómeno óptico que de la sensación de que está en movimiento. Su base es una extensión bidimensional que miente al ojo humano por ilusiones ópticas, para crear estas ilusiones ópticas se utilizan estructuras repetidas que tiene un orden determinado. Si diferenciamos al arte óptico con otras artes destacadas, tenemos que destacar que este tipo de arte básicamente se trata de principios científicos cuyo objetivo es desarrollar efectos visuales únicos. Muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico, impersonal y que en muchas ocasiones da la probabilidad de que el que observa dicha obra pueda cambiar la configuración que tiene.

Características principales del arte óptico

• Las obras poseen un efecto de profundidad.
• Los artistas utilizan para la creación de sus obras los colores,  la luz y las sombras con una gran habilidad.
• En esta clase de arte se usa la repetición de formas simples, de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
• Esta tendencia en el arte busca crear en el espectador una sensación de movimiento, gracias a efectos ópticos, creando un total dinamismo en superficies planas, que ante el ojo humano se transforman en espacios  tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
• Se encuentra en la escultura de piezas, sobre todo en la talla que  es una técnica que posibilita el desarrollo de este tipo de arte.
• Carece de todo movimiento real, es decir, todas las obras realizadas son físicamente inmóviles, creando obras físicamente estáticas, por lo tanto esta característica lo hace diferente del arte cinético.
• Su objetivo principal es concebir varios efectos visuales que parezcan que tienen movimiento mediante un parpadeo o vibración.
• Utilizada técnicas como son las líneas paralelas, pueden ser sinuosas o rectas, los contrastes marcados cromáticos, pueden ser bicromáticos o polis, también usa modificaciones en el tamaño y la forma, mezcla figuras y formas, entre otras técnicas ópticas.
• Utiliza simples figuras geométricas, puede ser el caso de triángulos, rectángulos, circunferencias, entre otros. Estas figuras pueden combinarse y formar figuras más complejas.
• Es un arte técnico e impersonal.
• El espectador ha de colaborar activamente, ya sea desplazándose o moviéndose con el fin de intentar comprender el efecto óptico que la obra posee.
• Utiliza como técnica la pintura al acrílico, por ello obtiene bases definidas y limpias.
• El artista no intenta representar en sus obras situaciones o sensaciones, ya que no existe ningún tipo de sentimiento que se refleje en estas obras.
• Otro de los objetivos es producir y crear efectos visuales únicos.
• Utiliza unos principios científicos con el objetivo de crear efectos visuales únicos.
• Son representaciones artísticas que se originan por un desarrollo de la abstracción geométrica.

Existen varias características más que definen al arte visual, pero las comentadas anteriormente son las más destacadas.

Artistas destacados del arte óptico

Antonio Lizarazu Balué:  nació en 1963 en España, fue un artista Digital autodidacta. La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Su obra presenta un despliegue alegórico del ente luminoso, la descomposición de la luz en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. Tiene como elementos básicos el color y la simetría y ambas son partes que constituyen al entorno natural que soporta a la descripción de la luz. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.

Bridget Riley: nació en Reino Unido en el 1931. Fue una figura destacada en el arte Óptico, creando complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970). Alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos.

Victor Vasarely: nació en Hungría en el 1908. Se interesó por el arte abstracto y por la escuela de Muheely  que era los principios de la Bauhaus. Su primer trabajo más importante fue Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Mas tarde  desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables, utilizando diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena, pero con una larga evolución y con diversas etapas en su producción artística.

A parte de estos tres artistas también podemos destacar artistas como por ejemplo los creadores de esta tendencia que son:  Frank Stella, Kenneth Noland, Lawrence Poons, Richard Anuszkiewicz y Josef Albers. Estos fueron los iniciadores de este tipo de arte y después de ellos destacaron otros artistas de diferentes países como eran: Carlos Cruz-Diez “de Venezuela en el año 1923”,  Julio Le Parc “de Argentina en el año 1928”,  Eusebio Sempere “de España en el año 1923 – 1985”, Youri Messen- Jaschin “de Suiza en el año 1941”, Yaacov Agan “de Israel en el año 1928”, Omar Rayo “de Colombia en el año 1928-2010), entre otros artistas destacados.

Arte del renacimiento

EL ARTE DEL RENACIMIENTO 

En la actualidad el arte renacentista es uno de los más destacados, no solo por los artistas famosos que aparecen en esa época sino también por las obras de arte que nos dejaron. Por eso, es posible que este sea uno de los tipos de arte más conocidos de hoy en día.

En el  Renacimiento se quiere hacer renacer de las tradiciones “antiguas”, de la venerada Grecia e Italia clásica. Los artistas modificando este clasicismo para que pueda absorber los desarrollos modernos, con la ayuda del conocimiento científico. El artista toma conciencia del individuo, al que estudia tanto psicológica como físicamente, respetando los modelos clásicos. Se desarrolló el humanismo y con esto  la concepción de que el hombre era lo más importante. Se prodigan inventores y científicos. Entre los grandes personajes que surgen en esta época destacan Leonardo da Vinci, Michelangelo, Donatello, Sandro Botticelli y Raphael, entre muchos otros.

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¿Qué fue el Renacimiento?

El término renacimiento se refiere al periodo artístico que se inicia en la Edad Moderna y surgió por la obra de Giorgio Vasari “Vida de arquitectos, escultores y pintores famosos” que fue sacada a la luz en 1570 pero no fue hasta el siglo XIX cuando el término obtiene una interpretación artística- histórica.

El Renacimiento surgió en la ciudad de Florencia, y fue una consecuencia de la progresiva apertura de las ciudades al comercio, donde nacieron nuevos grupos sociales conocidos como burgueses que invertían su capital en la compra de obras de arte.  Esto permitió al hombre de la época comenzar a dejar de lado el teocentrismo que lo ponía al completo servicio de Dios para pasar a observar la naturaleza, todo lo que lo rodeaba y, especialmente, a sí mismo. Es por ello, que en el Renacimiento se rompen las tradiciones artísticas que habían en la Edad Media.  Según los artistas del renacimiento a esas tradiciones artísticas la califican con mucho desprecio y dirigiéndose a ellas como un arte hecho por godos y bárbaros. También con el mismo pensamiento se enfrenta al arte contemporáneo que había en el Norte de Europa. Desde el punto de vida del desarrollo artístico en general que encuentra Europa, el Renacimiento significó una ruptura con la entidad estilística que hasta ese instante fue supranacional.

En el Renacimiento, surgieron  los grandes genios, el artista trabajaba en solitario, con más libertad creativa, y gozaban de más consideración social, no solo por ser artesanos, sino que se convierten en inventores. Igualmente, las grandes familias de los distintos estados de Italia fueron las protectoras de estos artistas, y se disputaban por la obra con mayor esplendor, que encargaban a los grandes genios. Florencia fue una de las primeras ciudades italianas donde surge el pensamiento humanista. Tanto los  Médicis que fueron los mecenas de los artistas del Renacimiento en Florencia, como los Papas que lo fueron en Roma, ayudaron al renacer de esta época.

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El Renacimiento como movimiento cultural

Como movimiento cultural, el Renacimiento abarca una rebelión basada en el aprendizaje clásico, el desarrollo de la perspectiva lineal en la pintura y la reforma educativa gradual pero generalizada. Tradicionalmente, esta transformación intelectual tuvo lugar en el renacimiento como un puente entre la edad media y la era moderna. Aunque el renacimiento vio revoluciones en muchas búsquedas intelectuales, así como en la agitación social y política, es quizás mejor conocido por sus desarrollos artísticos y los aportes de grandes genios cómo:  Leonardo da Vinci y Michelangelo, que inspiraron el término “Hombre del Renacimiento”.

El Humanismo

En el Renacimiento los eruditos emplean el método humanista en el estudio y buscaron realismo y la emoción humana en el arte. Por lo tanto, el Humanismo no era una filosofía propiamente, sino más bien un método de aprendizaje. En contraste con el método escolástico medieval, que se centró en resolver las contradicciones entre autores, los humanistas estudiaron los antiguos textos en el original, por lo general escrito en griego antiguo o latín y hacían la evaluación a través de una combinación de razonamiento y evidencia empírica. Los Eruditos recorrieron las bibliotecas monásticas de Europa, buscando obras de la antigüedad clásica que habían caído en el olvido. Igualmente, Poggio Bracciolini,  fue acreditado con el descubrimiento de las obras completas de quince diferentes autores, apareciendo entre ellos, la obra de Vitruvio sobre arte y arquitectura, lo que permite la terminación de la Catedral de Florencia, de Filippo Brunelleschi.

Por otra parte, en tales textos se encontró el deseo de mejorar y perfeccionar el conocimiento mundano. Un sentimiento completamente diferente a la espiritualidad tensionado por el cristianismo medieval. En este sentido, la Educación Humanista se basa en el estudio de la poesía, la gramática, la ética y la retórica. Sobre todo, los humanistas afirman “el genio del hombre; la extraordinaria capacidad de la mente humana.”   Por lo tanto, no rechazan el cristianismo, por el contrario, muchos de las más grandes obras del Renacimiento se dedicaron a él, y la iglesia había patrocinado muchas obras de arte renacentista. Sin embargo, un sutil cambio tuvo lugar en la manera en que los intelectuales se acercaron a la religión que se refleja en muchas otras áreas de la vida cultural.

Las características del Renacimiento

Para entender un poco más el arte del Renacimiento  tenemos que conocer las características que tuvo esta época. A continuación te colocamos un  resumen de algunas de las más importantes.

• -Se recuperó la cultura clásica, es decir, la cultura romana y griega.
• -Apareció una concepción de los seres humanos, el antropocentrismo.
• -Se buscó la belleza en la simetría, la perspectiva, la proporción humana como base de todas las estructuras. Así cómo también, se buscó el equilibrio de las formas,  y la mesura de las expresiones.
• -Se manifestaron  los tratadistas y también se manifiestan los humanistas, estos últimos se dedicaron a diferentes medios culturales.
• -Apareció una nueva característica, la cual tuvo como objetivo fundamental,  la renovación que estaba relacionada con todas las estructuras de las Iglesias.
• -Una característica muy importante del Renacimiento y que se puede considerar que está por encima de todas las otras, es que el cuerpo humano recupera su importancia.
• -Se creó una imitación en la escultura y la arquitectura realizada en Roma y Grecia.
• -Se buscó hacer representaciones de una belleza ideal.
• -Se Busca el equilibrio, la armonía y la tranquilidad para crear una obra armónica.
• -Se crearon obras cuya perfección y claridad fueron dirigidas por la razón universal.
• -Su interés principal fue  el cuerpo humano y en particular,  el desnudo.

• -El Renacimiento se consideró realista ya que las obras creadas fueron realizadas con sumo cuidado y con la máxima realidad posible.
• -Las pinturas  fueron creadas con  una vista geométrica y se buscó lograr una ilusión de profundidad.
• -Se recuperó la escultura exenta y entre los principales materiales que se usaron destacan el mármol y el bronce.
• -Se recuperaron los temas  mitológicos y aunque en menor medida que en el gótico, también encontramos temas religiosos.
• -También apareció la figura del mecenas que eran los que patrocinaban  las obras, fomentando el arte.
• -Apareció un arte que produjo  la ruptura de los cánones formales y se buscaron nuevos métodos de expresión, naciendo el Manierismo, que se caracterizó por la distorsión de las figuras, la creación de espacios irreales y la utilización de colores muy claros o muy vivos.
• Con estas características la sociedad cambió y se vuelve materialista, más interesada en la objetividad y tiene un punto de vista capitalista y del desarrollo de las ciudades.

Períodos  del Renacimiento

Existen  dos períodos  diferentes del renacimiento que marcaron su desarrollo, estos son:

El Quattrocento

Este período se  origina en el siglo XV y principalmente abarca el Renacimiento primario  que se inicia en Italia. En este periodo se busca un nuevo lenguaje, la arquitectura civil adquiere gran importancia, buscando espacios racionales y organizados con unas reglas esenciales, como una distribución organizada de los espacios públicos. Por lo tanto, las áreas residenciales, centros comerciales, y  los palacios dejan de ser concebidos como fortalezas dando una nueva imagen al nuevo poder ciudadano. La decoración de las fachadas se basa en la utilización del almohadillado, que son sillares con aristas rehundidas, y se utilizan elementos puramente arquitectónicos con un toque clásico. Uno de los ejemplos más notables es el Palacio Medici-Ricardi de Florencia, construido por Michelozzo en 1444. Otras obras importantes son las de Brunelleschi, de la “Iglesia de San Lorenzo”, la “iglesia del Santo Spirito”, el “Palacio Pitti”,  y la “Capilla Pazzi”. Igualmente, los grandes maestros del Quattrocento fueron Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti.

El Cinquecento

Este período se establece en el siglo XV  en Florencia, que fue el centro creador y difusor de la arquitectura renacentista y en el siglo XVI será Roma el centro de la cultura.  Los Papas Julio II y León X se convirtieron en grandes mecenas, y los artistas van a Roma atraídos por su rico pasado clásico. En estos dos períodos aparecieron  artistas cuyas obras se hicieron famosas a lo largo de los siglos. Es por ello que, es muy importante diferenciar una etapa de la otra y los artistas que hay en cada etapa. En este periodo surgen artistas como Sangallo, arquitecto del Palacio Franesio, el modelo de palacio del cinquecento con el que nos vamos acercando a lo que serán los palacios barrocos, más estéticos, más ornamentales y menos defensivos.

Palladio, por su parte,  busca la perspectiva en sus construcciones, creando las  villas de recreo próximas a las ciudades. Igualmente, Bramante recoge los avances teóricos y prácticos anteriores logrando un estilo armónico, equilibrado, con sentido del ritmo y la proporción y se caracteriza por la simplicidad arquitectónica y el clasicismo. No obstante, Miguel Ángel es el gran artista que  rompe con los principios clásicos, creando un estilo personal. Vignola y Della Porta pertenecen a la orden de los Jesuitas, cronológicamente pertenecen al Renacimiento, pero sus construcciones son barrocas, siendo los arquitectos de la Iglesia de Gesú, cuya fachada corresponde a Della Porta y el interior a Vignola.

La arquitectura del Renacimiento

En la Arquitectura del Renacimiento, vuelven a representarse las estructuras romanas y griegas, sus elementos principales son:

-La preocupación por la perfección y el equilibrio.

-Se vuelven a originar las columnas y las pilastras.

-Se construyeron los  arcos de medio punto.

-Se crearon las  cúpulas, que fueron  decoradas por casetones.

-Las bóvedas de cañón también llevaban los casetones.

-Surge de nuevo el frontón griego.

Características de la  Escultura en el Renacimiento

Las características principales que se pueden observar en la escultura del Renacimiento son:

• -El sumo interés  por las proporciones.
• -La búsqueda de  una nueva visión: La belleza que se quiso siempre conseguir  en el cuerpo desnudo.
• -Surgió  un nuevo interés: representar las pasiones ocultas.
• -Se le dio un nuevo valor al cuerpo humano.
• -Igualmente, se le otorgó  un nuevo valor a la escultura ecuestre.
• -Se vuelven a crear temas mitológicos y profanos.
• -Los artistas destacados de la escultura del Renacimiento son: Ghibarti, Miguel Ángel y Donatello.
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La Pintura en el Renacimiento

En la pintura del Renacimiento  no veremos ninguna referencia de la pintura romana ya que comienza desde cero. Sus características principales son:

• -Se crean obras tridimensionales, es decir, volumen, color y luz.
• -La pintura Tiene una visión lineal y aérea.
• -La técnica más usada fue la pintura al óleo.
• -Se solían  representar temas humanos, mitológicos y religioso.
• -Se introdujeron los  fondos arquitectónicos.
• -Los artistas destacados en la pintura del Renacimiento  son: Frangelico, Botticelli, Rafael, Alberto Durero y Doménico Theotocopoulos más conocido como el Greco.

Aquí puedes  ver un breve vídeo explicativo sobre el Arte del Renacimiento

Si requieres mayor información acerca del Renacimiento, sigue los vínculos a las páginas que te hemos colocado en cada segmento.

Arte Visuales

ARTE VISUALES 

El concepto de arte visual surgió tras la Segunda Guerra Mundial uniendo a las artes que implican una percepción visual. La pintura y la fotografía son dos de los máximos exponentes de este tipo de arte.La composición del arte visual se desarrolla atendiendo diversas cuestiones, como la relación entre figura y fondo (para incidir en la percepción de lo visto), el contorno, la agrupación de los elementos (por proximidad, continuidad o semejanza) y la pregnancia.

Las artes visuales son una representación artística y expresiva, cuya apreciación visual está basada en el artista que crea y rehace mundos fantásticos o naturales mediante materiales usados con diferentes y variadas técnicas que permite al artista manifestar todas sus emociones, sentimientos y apreciación del mundo que lo rodea. Por eso las artes visuales son una especialización de arte que también introduce a las tradicionales artes plásticas e incluye varias maneras nuevas de expresión artística que aparecen en el siglo XX, además de eso también se introduce el uso de los progresos realizados en la tecnología, que se denominan como un nuevo medio. Por todo esto se da origen a nuevas maneras de entrecruzamiento y expresión de  distintas modalidades artísticas. Todas las artes visuales están enfocadas a la visión de la naturaleza y se pueden clasificar en los siguientes grupos: Pintura, Arquitectura, Fotografía, Escultura, también está en este grupo el video, la producción audiovisual y la instalación. Podemos integrar las artes plásticas como el dibujo, grabado, cerámica, artesanía y diseño, aunque estas disciplinas pueden ser integradas en otras modalidades artísticas a parte del arte visual.

Características de las artes visuales

• La apropiación: donde el artista toma elementos o estilos, propios de otras corrientes, movimientos e, incluso, épocas, incorporándolos dentro de sus composiciones de una forma novedosa.
• Tiende a moverse entre disciplinas que le son ajenas pero que las utiliza  para sus propósitos estéticos, involucrándose en ellas desde un horizonte de investigación y experimentación que, además, propicia en el artista la circulación entre los diferentes soportes y materias que estas le ofrecen.
• Se nutre significativamente del fenómeno de la globalización, que facilita la circulación y el acceso a las propuestas artísticas que se desarrollan en el planeta, propiciando una dinámica de retroalimentación estética y de pluralidad cultural, pero también una especie de estandarización en el fenómeno artístico.
• Estrategias expositivas donde se procura que la estrategia empleada para su exhibición realce la naturaleza de las obras, un ejemplo son la apropiación de espacios públicos o el empleo del internet para hacer la presentación de la muestra, así como la variación de los periodos de la exposición, que pueden ir desde horas hasta semanas.

Tipos de arte visual

Como hemos dicho anteriormente las artes visuales introducen las artes tradicionales plásticas, entre las que esta incluidas el dibujo, pintura, escultura y grabado y también dijimos que introduce nuevas representaciones con el avance tecnológico que se denominan arte de nuevos medios veamos algunas representaciones que están dentro del arte visual.

Los videoartistas y fotógrafos requieren el uso de equipos para crear sus obras artísticas. Las cámaras fotográficas y las grabadores de vídeo son el principal instrumento de trabajo de estos artistas visuales. Los tres tipos principales de fotografía con la fotografía a color, la fotografía en blanco y negro y la fotografía monocromática en la que la imagen es revelada utilizando un sólo color variando de tonalidad. El videoarte, comparado con la fotografía, es un arte visual relativamente nuevo. Se considera que el videoarte como tal comenzó en la década de 1960 aunque el cine, también una forma de arte visual, data de décadas anteriores. Las obras artísticas en vídeo acompañan a menudo un trabajo artístico mayor como instalaciones y performances.

• Pintura: este arte se basa en una representación gráfica que usa varios tipos de pigmentos combinados con otros elementos sintéticos u orgánicos, creadas  en una superficie como tela, papel, lienzo, una pared o incluso el suelo de la acera. Esta técnica no solo necesita conocimiento sobre la técnica de pintura, también necesita saber la teoría del color para poder causar la sensación esperada mezclando pigmentos y colores de luz. Se crea una imagen de dos dimensiones, se puede utilizar pinceles, espátulas, spray, los dedos. Los medios más comunes que se utilizan son el óleo, pintura al agua, acrílicos o pasteles.
• Fotografía: este arte trata principalmente de capturar imágenes y después almacenarlas en un material que es sensible a la luz. Para guardar las imágenes realizadas las antiguas cámaras usaban películas sensibles, pero hoy en día se utilizan memorias digitales. Los tipos principales de fotografía son la fotografía a color, la fotografía en blanco y negro y la fotografía monocromática en la que la imagen es revelada utilizando un sólo color variando de tonalidad.
• Videoarte: este estilo de arte es relativamente nuevo, comenzó en la década de 1960. Está basado principalmente en las imágenes con movimiento y es un conjunto de video y audio. Este estilo de arte puede tener muchas maneras como por ejemplo videos en galerías u otras zonas, grabaciones que se reproducen, entre otros. No se ha de confundir la producción del cine experimental o la televisión con el videoarte. Estas obras de videoarte van unidas a un mayor trabajo artísticos como el performances y las instalaciones.
• Fan art: está basado en obras principalmente en personajes, vestuarios, u otros materiales que el artista toma para crear una narración, que puede ser mediante la ilustración, el comic, la fotografía o el dibujo. Deriva de otros medios como los cómics, de los libros o de las películas.

También hay otras maneras de expresión que aparecieron en el siglo XX como pueden ser:

• Instalación artística: es un género que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1960, introduce todo tipo de medio para concebir una experiencia conceptual o visceral en un determinado ambiente, sus características más importantes son la presencia activa del espectador, n el propósito de impactarle, excitar todos sus sentidos y generar ambientes.
• Intervención: las intervenciones se crean en la escultura o la pintura, básicamente se trata de añadir o modificar el contenido de la obra anterior. La intervención puede completar una obra que quedó inacabada o puede cambiarla con un criterio distinto.
• Land Art: el land art utiliza elementos y paisajes de la naturaleza como el escenario para crear su obra de arte, como la madera, la tierra, las piedras, la arena, el viento …creadas en el exterior, expuestas a los elementos y a la erosión, haciendo que algunas obras desapareciesen. Su fin es que los espectadores recuerden la naturaleza que hemos olvidado y maltratado. Las obras más importantes se llaman earthworks, trabajo de tierra.
• Arte ambiental: este término se usa para hacer referencia a una obra de arte que usa el entorno natural. Normalmente este tipo de obras son obras que respetan el medio ambiente y que puede representar otros temas del medio ambiente como el contexto político, histórico, social o formal.
• Arte Postal: este tipo de arte se trata de la comunicación y el intercambio que se hace mediante una postal, no dependa de absolutamente nada, no sigue ningún patrón, ninguna moda, un arte donde  las críticas no existan o al menos no sea algo que vaya a determinarlo.
• Arte efímero: el arte efímero se basa principalmente en toda representación artística que se crea bajo una definición de fugacidad en el tiempo, es decir, esta modalidad de arte no permite que una obra perdure y si deja que lo haga ya no es representativa del instante en el que fue realizada, siendo lo más importante el gusto social, que es el que marca las tendencias.

Existen otros tipos de expresiones que surgieron en el siglo XX como pueden ser el arte público, cinético o urbano además de que hay otras disciplinas del arte visual como son por ejemplo el arte de acción, Fluxus, la caligrafía, el grafiti, el arte interactivo, el performance, entre otros.

Arte Medieval

El Arte Medieval

El arte medieval es un periodo de la historia del arte que desarrollo un largo periodo para una grande extensión espacial. En la Edad Media, que va desde el siglo X al siglo XV, son más de mil año de este tipo de arte para África del norte, Europa y Oriente medio. Es por lo que el arte medieval está considerado uno de los periodos más largos de la historia del arte. Se incluyen varios movimientos artísticos en diferentes períodos entre ellos se encuentran los regionales, locales y nacionales, tiene diversos géneros, varias etapas de florecimiento a las cuales se les llamaron renacimiento, tiene obras de artes destacadas y propios artistas que en la Alta Edad Media se mantenían en el anonimato. En la Antigüedad tardía se incorporó la herencia artística clásica traída por el Imperio romano con contribuciones del cristianismo primitivo y de la cultura bárbara. Por la mezcla de estilos artísticos se produjo unas características artísticas muy particulares.

El arte medieval se manifestó en diferentes medios y distintas disciplinas tanto artísticas como técnicas entre ellas destacan: manuscritos, orfebrería, escultura, pintura en tabla, mosaicos, frescos, arquitectura, entre otras. También tenemos que incluir los oficios y las artes que no se incluían normalmente en las bellas artes como por ejemplo la confección de la vestimenta medieval.

El arte medieval  en la Edad Media

 Las obras de artes medievales aparecieron en un contexto donde no existía todavía la definición de arte ni tampoco existía la de la belleza, incluso tampoco existía el concepto de bellas artes o de artistas. El arte medieval tenía que cumplir tres características fundamentales para ser ese tipo de arte.

 

1. Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios, difuntos o santos. Su objetivo es conseguir su indulgencia, su gracia, entre otros. Por esto todo artista medieval no duda de legitimidad de la riqueza en los adornos de monasterios, iglesias y otros lugares de cultos ya que dicha riqueza era una ofrenda para Dios.
2. Tiene que ser un intermediario entre lo humano y el mundo sobrenatural. Suele incluir imágenes medievales en función pedagógica que explican los dogmas de la fe cristiana y su historia sagrada.
3. Ha de ser una confirmación de poder, por un lado ha de ser el poder de Dios y de la Iglesia y por otro sitio el poder político. Aunque a finales de la Edad Media surgen otros agentes sociales.

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Movimientos y periodos principales

• Arte paleocristiano:  es el desarrollado en las primeras comunidades cristianas de los siglo II y III hasta la caída del Imperio Romano de Occidente, el nexo de unión entre la cultura y el arte de la Antigüedad Clásica y la Edad Media Cristiana. En ese tiempo las obras cristianas adquirieron varias técnicas artística romanas en la pintura, trabajos con mental, mosaicos, tallas y arquitectura. Se crearán dos manifestaciones artísticas de la importancia del templo basilical y la iconografía narrativa y simbólica del Cristianismo. Las dos manifestaciones arquitectónicas de este periodo son las Domus Ecclesiae, que eran  para la celebración del rito cristiano, sin una forma especial y los Cimeterios (cementerios), donde se hacían los enterramientos cristianos.
• Arte Bizantino: el arte bizantino nace y se desarrolla a partir del siglo IV después de Cristo en el imperio romano de oriente, donde florece hasta el siglo XV. De ahí, se pasa a los países del Este de Europa. Es un arte subordinado al poder del emperador y más tarde también el poder religioso. Tiene influencia del cristianismo, del racionalismo griego y del Islam. Los motivos religiosos permeaban todo el arte en Bizancio, estaban dentro de los templos en las paredes o como objeto específico del culto a través de estatuas o también como pequeños y portátiles objetos de veneración a los que se les conoce con el nombre de Iconos.
• Arte islámico: es el estilo artístico que se desarrollo en la cultura generada por la religión islámica, con una unidad estilística debido al  desplazamiento de los artistas, comerciales, mecenas y obreros. Concedieron gran importancia a la geometría y a la decoración destacando tres tipos: la caligrafía cúfica, mediante versículos del Corán, la Lacería, mediante líneas entrelazadas que formaban estrellas o polígono y la Ataurique, mediante dibujos vegetales. En arquitectura, crearon edificios con funciones específicas tales como mezquitas y madrazas. Referente a la escultura se realizaron objetos de metal, marfil o de cerámica, aunque hay poco arte en esta rama artística.
• Arte prerrománico: Las influencias germánicas y clásicas son las más destacadas en este movimiento y por ello se extienden los motivos y las formas que tiempo después forma el arte románico. En el prerrománico hay determinadas características comunes, una de ellas es la  relativa ausencia de grandes programas arquitectónicos, una  escasez de esculturas de gran tamaño, tienen predilección por la orfebrería y la ilustración de manuscritos y como última una  evolución formal hacia la simplicidad, la esquematización y el simbolismo en las artes figurativas, con todo esto se consigue una mayor expresividad, renunciando al realismo y utilizan una mucho los motivos decorativos. Una influencia  visigoda, la convivencia con el arte islámico andalusí y los contactos con el resto de la cristiandad latina produjeron en los reinos cristianos del norte peninsular  formas artísticas de particular interés: como el arte asturiano y el arte mozárabe. 
• Arte del periodo de las migraciones: es un tipo de arte de los pueblos germánicos, un arte de los bárbaro o llamado también arte del periodo de la migraciones. Suelen centrarse cronológicamente en su período de formación, el denominado de las “migraciones de pueblos”  o  de las invasiones bárbaras o reinos germánicos, tras su cristianización y asentamiento en el antiguo Imperio Romano a partir del S. V. En los reinos germánicos se desarrollaron distintos estilos entre ellos estaban: España (arte visigodo, arte de repoblación, arte asturiano y arte mozárabe), Italia (monumentos ostrogodos), Francia (arte carolino), Alemania (arte otoniano), en Irlanda y Gran Bretaña (arte celta medieval). Su mayor  característica fue la  utilización conjunta de piedra y madera, con cubiertas de piedra a dos aguas flanqueadas por torres cilíndricas, de formas similares a antiguos monumentos funerarios.

En la Baja Edad Media podemos estos movimientos y periodos

En esta etapa se pueden destacar dos estilos internacionales divididos en: arte románico, que va desde el siglo XI hasta el XII y el arte gótico que se originó en Francia a mediados del XII y se desarrolla en Europa Occidental desde el siglo XIII hasta el XIV.

• Arquitectura románica: en este estilo, en la arquitectura se construían templos perdurables con una gran grandeza para evitar su destrucción, siguiendo una evolución perfeccionando y resolviendo problemas tectónicos en busca de altura y luz, utilizando la piedra como material principal creando  construcciones que se caracterizaban por sus  macizos muros y contrafuertes para hacer de soporte a las robustas bóvedas de cañón.
• Arquitectura gótica: se origina en el siglo XII en Francia. En la arquitectura gótica se introduce la bóveda de crucería, los arbotantes y el arco apuntado. Como 
• características destacan edificio altos con un sentido simbólico de ascensionalidad, como queriendo llegar al cielo, espacios interiores muy luminosos y coloristas, predominando las vidrieras sobre los muros, con elementos escultóricos naturistas, con follajes, hojas y animales en la decoración de los capiteles. El material utilizado es la piedra cortada, encuadrada y pulida en sillares regulares, y los muros pierden gran parte de la función de sustentantes, por lo que se abren grandes ventanas. A medida que este arte evoluciona, las bóvedas son más decorativas, convirtiéndose en bóvedas estrelladas, florales o reticulares.