Con las nuevas tecnológicas que han ido apareciendo a lo largo de los
siglos se han desarrollado nuevas maneras de expresiones artísticas y
con ellas nuevos tipos de arte.
Actualmente contamos con una gran colección de aparatos electrónicos
que nos dejan realizar a la perfección el arte digital y sus variantes.
Sin embargo, esta modalidad de arte no siempre estuvo dentro de la historia de arte
ya que esta tipo de arte surgió varios años atrás. Aunque
principalmente este estilo de arte y las diferentes categorías que entra
en él se catalogan como artes visuales.
¿Qué es el arte digital?
El arte digital
es una corriente artística que se realiza principalmente gracias a la
tecnología informática. Este estilo de arte se diferencia de otros
estilos tradicionales principalmente porque el resto de las clases
artísticas no son tecnológicas y este tipo de arte sí. En el arte
digital se introduce en un procedimiento de desmaterialización de las
representaciones artísticas que se retrotrae con el ingreso de la
fotografía como el principal medio de las artes en el siglo XIX.
Cuando
hablamos de la tecnología, hacemos referencia al proceso o instrumento
que hace posible la creación de algo, observando esta definición se
puede percibir que no existe una distinción entre una paleta grafica de
un pincel. Sin embargo, el arte digital se clasifica dependiendo del
soporte que se haya utilizado para crear la obra y por ello existen
algunas categorías que son: CD – Rom – Art, instalaciones interactivas,
net. Art., videoarte y combinaciones de estos estilos que suelen
clasificarse como arte multimedia.
El Net art
Cuando
en 1995 el artista Vuk Cosic crea un nuevo concepto mediante un mensaje
incomprensible que le mandan a su propio correo electrónico, la
disciplina de arte net.art aparece. El net.art son todas aquellas obras
que se realizan para Internet y cuyo tema principal es la red, para
hacer este estilo de arte necesita explotar el potencial de los
contenidos para crear nuevas estructuras complicadas que unen sonidos,
imágenes y textos.
Arte generativo
El
arte generativo por definirlo de alguna manera se podría decir que es
un subgénero del arte digital que brinda la posibilidad de crear una
obra por sistemas informáticos mediante unos parámetros alternativos que
son establecidos por el artista. Normalmente, se crea a través de un
ordenador el cual realiza diferentes cálculos con el fin de crear
diversas cosas como por ejemplo un sonido o una imagen que han utilizado
dichos parámetros que ha impuesto el autor de la obra. Este tipo de
subgénero suele ser utilizado en la música electrónica, en la literatura
cut – up y en el arte fractal.
El Arte conceptual
apareció a mediados de los años 60, con nuevas y diferentes ideas más
allá de los componentes formales o visuales de la obra de arte
tradicional. Los artistas de este movimiento se motivaron por el
reto de alterar los presupuestos acerca del arte, conceptos como
belleza, calidad, y la diferencia entre un documento y una obra de arte,
cuestionando los significados convencionales a través de los cuales el
público consumía arte, de las galerías, los museos y los críticos,
reconstruyendo el objeto de arte convencional y presentaron trabajos en
diversos medios, desde mapas y diagramas hasta textos y videos.
¿Qué es el arte conceptual?
El Arte Conceptual, también es llamado information art, software art o idea art. se refiere a la creación artística donde lo primordial es la importancia del concepto de la obra,
tratando de mantener la experiencia estética sin que medie en ella la
elaboración artística, el valor plástico de los objetos siendo un arte
sustancial de las ideas, la información y el conocimiento donde su
sentido artístico está en el contenido conceptual desarrollado.
Su
temática puede explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar
la realidad actual del entorno social, político o económico, o hacer una
introspección al pensamiento o vivencias del artista, recurriendo a la
ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión y la lectura del concepto artístico.
Los
artistas de este movimiento cogieron ideas y las llevaron más allá de
las características y los elementos visuales o formales que tenía el
arte tradicional. En este movimiento los artistas se rodearon de esta
nueva expresión del arte, se estimularon con el reto de alterar los
presupuestos con los que estaban vinculados el arte y crearon nuevos
conceptos de la calidad, la belleza y lo diferente que era un documento a
una obra de arte.
En definitiva, el arte conceptual pretendió demostrar que se podía hacer arte sin necesidad de desembocar en cosas artísticas, dando
a decir que existe experiencia estética sin estar mediada por la
objetualidad, llevando a la contemplación la reflexiva y con juicio
Origen del arte conceptual
Como
hemos dicho anteriormente esta modalidad de arte se originó en los años
sesenta, como una reivindicación en contra del formalismo. Aun así es
algo común decir que esta modalidad de arte se originó con el ready- mades una idea que desarrollo el francés Marcel Duchamp entre 1910 y 1920. Esta
idea desató una técnica nueva para las obras artísticas y es que ya no
se representaban objetos tal y como el fabricante lo había creado si no
que ahora a ese objeto se le daba una representación puramente
intelectual.
Duchamp
se incorporó al arte conceptual en 1913 con la obra La rueda de
bicicleta, que consta de una sola rueda de bicicleta montada invertida
hacia abajo por el tenedor en una banqueta de madera, pero sin duda el
más famosos de sus “readymades” fue Fuente del 1917, que era un orinal
de porcelana, reorientado 90 grados y será en los 50, cuando Duchamp
re-hizo obras, porque muchos originales se perdieron, como Rueda de
bicicleta y Fuente para la Galería Sidney Janis de Nueva York,
provocando un resurgimiento por el interés por su trabajo.
Uno de los pioneros de este estilo fue Joseph Kosuth,
en Nueva York a mediados de los 60, desarrollando un modelo analítico
basado en la premisa de que el arte debía cuestionar continuamente su
propia intención, su trabajo más importante fue un ensayo de tres partes
titulado “El arte después de la filosofía” en el 1969.
En 1965, los Minimalistas
se inspiraron en la abstracción geométrica, formas, composiciones
industriales, que querían lograr el mejor efecto posible en el
espectador modificando lo menos posible la forma.
En 1968, se creó un grupo de ingleses conocidos como “Art and Language Group“
que negaban la aproximación y métodos del “Arte por el arte”, y creían
en que la fuente del significado en artes visuales debía ser el
lenguaje.
También se creo otros movimientos como el llamado Land Art,
por artistas de América e Europa, creando trabajos que expresaban un
carácter efímero y una unión entre el hombre y la naturaleza; el Performance, el Happening y el Body Art, utilizando
el cuerpo humano como medio de comunicación, combinando las cualidades
de las artes visuales, con movimientos corporales y habilidades para la
actuación,usando la violencia y repulsivas conductas hacia el cuerpo
humano, a veces.
DISCIPLINAS PROPIAS DEL ARTE CONCEPTUAL
El arte conceptual se manifiesta en cualquier disciplina artística, sin embargo sus medios propios han sido:
Video-arte:dio
la oportunidad de expresar ideas y conceptos con pleno sentido
artístico sin importar el grado de calidad en la grabación . En su
contenido también suele relacionarse con otros medios conceptuales como
la instalación o el performance.
Instalación: Son
todas las manifestaciones que intervienen un espacio recurriendo a
medios no tradicionales en el arte, pudiendo ser física, sonora,
lumínica, o interactiva.
Performance: Es
una forma de arte conceptual expresado en vivo por medio del cuerpo sin
recurrir a las manifestaciones escénicas tradicionales. Algunos de sus
géneros son el Happening, Flashmob, Body Art, Sniggling, etc.
Arte-objeto:Son
las obras que se arman modificación cualquier tipo de objetos y
materiales sin recurrir a los medios tradicionales, presentándose como
piezas escultóricas, estatuas o figuras.
Readymade: Es
la técnica de recolectar y presentar cualquier tipo de objetos
encontrados que en su origen no son artísticos convirtiéndolos en obras
con un sentido artístico, se presentan tanto en instalaciones como en
obras de arte-objeto.
Gráfica alternativa y Collage:Es
el uso de diversos medios impresos mezclados con otros materiales que
dan cuerpo a las obras, utilizando recortes de periódicos, revistas o
fotografías formando un diseño de collages, cuadros o incluso libros de
artista
Fotografía conceptual: este
arte centra su contenido visual desarrollando una narrativa de una
idea o concepto en pleno sentido artístico, un discurso expresivo,
intelectual o reflexivo que registra una escena real o recreada, una
instalación o un performance.
Otras maneras artísticas surgidas del arte conceptual
El fluxus: consiste en un movimiento artístico que afecta a la música, la
literatura y las artes visuales. Su momento glorioso fue en los años
setenta y fue una declaración, al igual que el arte conceptual, del arte
tradicional. Su movimiento fue desde México, Europa, Japón y Estados
Unidos.
El arte correo:el
arte correo o en inglés dicho Mail Art, este también fue otro
movimiento universal de comunicación e intercambio mediante una postal.
La historia de este movimiento es muy antigua, similar al servicio
postal, ya que era su medio de difusión.
Obras conceptuales
El Arte Conceptual exige nuevos métodos de elaboración de las obras y, en este aspecto, es en el que ha habido mayores discrepancias.
Los medios de utilizados para la creación de las obras son muchos y variados, entre ellos:
fotografías, películas, cintas magnetofónicas, documentos clavados en
la pared, entrevistas, textos, proyectos presentados como documentos sin
significación formal, envío de tarjetas postales, telegramas, premisas
matéricas, estadísticas, representaciones de actos públicos, entre otros medios.
Para
algunos artistas conceptuales el objetivo era la conservación de los
vestigios en las obras y otras veces, solo como un medio de difusión.
Uno de los campos preferidos del Arte Conceptual
es la investigación entre la imagen estática tradicional y la dinámica
actual, que se va insertando de a poco en los nuevos modos productivos
de comunicación visual y de perspectiva general.
El Arte Conceptual produjo muchas obras pero muy pocas obras maestras de museo que cualquier otro movimiento artístico del siglo XX.
Artistas destacados en el arte conceptual
Hay muchos artistas destacados en este movimiento entre ellos están: en 1917 destacó el artista Marcel Duchamp, en 1953 destacó el artista Robert Rauschenberg, en 1956 destacó el artista Isidore Isou, en 1957 destacó el artista Yves Klein, en 1958 destacó el artista Wolf Vostell, en 1960 destacó el artista Stanley Brown, en 1961 destacó el artista Piero Manzoni , en 1962 destacó los artistas Christo y Jeanne- Claude, en 1963 destacó el artista Henry Flynt
y siguieron apareciendo artistas destacados hasta 1965 pero esto son
los más conocidos y sus obras realizadas durante esos años. Todos
los estilos de arte han revolucionado de alguna manera la imagen que se
tenía antes del arte tradicional es por eso por lo que esta modalidad de
arte fue destacada en los años 60 y 70 ya que era algo original y único
en esa época, algo nuevo que no se había visto por lo tanto provocó un
gran impacto a los observadores de este estilo de arte. Aunque hoy en
día haya otros estilos más destacados nunca viene mal recordar viejos
estilos de arte que marcaron la diferencia.
El arte bizantino es el arte que se desarrolló en el imperio bizantino, desde el siglo IV,
que se fue extendiendo a partir del siglo VI por el Imperio Romano
oriental, siendo la ciudad de Constantinopla, la capital del imperio
romano del este, el centro artístico más importante de este período,
siendo en el siglo XV cuando se extiende a los países de Este de Europa.
En
sus primeros momentos, el Imperio Bizancio se consideró como el
continuador natural del Imperio romano siendo transmisor de formas
artísticas que influyeron poderosamente en la cultura occidental
medieval.
Es un arte subordinado al poder del emperador,
y cuando éste adopta la religión cristiana, al poder de la religión
también. Este arte manifiesta la presencia de tres influencias: la del
cristianismo incipiente, la del racionalismo griego y la del Islam.
Palabras clave: arte bizantino, características pintura bizantina
¿Qué es el Arte Bizantino?
El arte bizantino se
decía que era la magia que poseía un artista, su origen viene del siglo
IV después de Cristo. Tuvo unos enlaces muy fuertes con el mundo
helenístico y fue una evolución o mejor dicho una continuación del arte paleocristiano oriental. Este estilo de arte se desarrolló en el imperio romano de oriente donde brota hasta el siglo XV,una vez se desarrolla en otros países llega hasta el Este de Europa.Varios eventos afectan su desarrollo. Los
más notables son: el movimiento iconoclasta del siglo VIII, y en el
siglo XI, la ruptura entre la iglesia de oriente y la de occidente.
Este arte produce una arquitectura monumental manifestada en sus
iglesias, unos espléndidos mosaicos e impresionantes esculturas. Dos
ciudades de particular interés para el arte Bizantino son
Bizancio-Constantinopla y Ravena.
Historia del arte Bizantino
Este
arte surgió por la división que hizo Teodosio a sus hijos, y le dejó a
Arcadio el Imperio del Oriente, es por ellos por lo que comienza el
Imperio Bizantino. Tras la caída del imperio romano que cae en
poder de los barbaros, hace que a capital del Imperio Bizantino se
convierta en la capital de la cultura en el mundo occidental. Es por
eso por lo que nace este concepto de arte que posee influencias griegas, romanas, orientales y helenísticas. Este tipo de arte se divide en cuatro etapas grandes en las cuales se muestra influencias.
Primera Edad de Oro del Imperio Bizantino: Va desde el año 527 al 726, en estos años aparece la iconoclasta.
Las
discusiones iconoclastas: que se prolongaron desde el año 726 hasta el
843. Fue una discusión muy violenta en la que hubo una crisis artística,
fue creada por los iconoclastas hacia los iconódulos.
Segunda
Edad de Oro del Imperio Bizantino: Va desde el año 913 hasta el 1204,
en el instante en que los cruzados devastan con Constantinopla.
Tercera
Edad de Oro del Imperio Bizantino: Va desde el año 1261 hasta el 1453,
esta edad surgen cuando los turcos conquistan Constantinopla.
Características principales del arte bizantino
Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes aspectos culturales.
Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.
Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo).
Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central.
En
Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias
con forma de cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados.
En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.
La influencia persafue notable en época del emperador Justiniano.
Durante los siglos VII a IX el arte bizantino empezó a tener influencia del islamismo, ya que los árabes sitiaron Constantinopla en el año 674, durante el reinado de Justiniano II;
Pintura bizantina
En la pintura bizantina destacan los frescos,
que son pinturas en las paredes, principalmente de iglesias, las
miniaturas para ilustrar libros e iconos, pinturas en paneles. Predominó el tema religioso, como las imágenes de Cristo y la Virgen María.
Las principales técnicas fueron el mosaico, el temple sobre tabla, el
fresco y la iluminación de manuscritos. Se distingue la pintura
bizantina al mosaico por la riqueza de materiales, con abundancia de
oro y fastuosa ornamentación con una pobreza en el movimiento
artístico. Las figuras de los personajes se presentan muy alargadas,
en pie y con los brazos en una actitud de movimiento o llevando algún
objeto. Las vestimentas con que aparecen cubiertas los personajes
suelen ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi verticales, solo el
manto o capa los representaban con movimiento y recogido sobre el
brazo izquierdo de la figura. El rostro de las personas se representaba
con una expresión majestuoso, tranquilo y honesto con una mirada, de
frente o a la derecha del espectador y sus ojos, grandes y abiertos y
por último sus pies, pequeños o estrechos y terminados en punta.
Arquitectura bizantina
En la arquitectura bizantina podemos destacar la construcción de iglesias grandes e imponentes,
cuya principal característica fue la presencia de cúpulas sostenidas
por columnas, utilizando decoraciones y pinturas religiosas, dentro de
las iglesia. Es muy diversa y grandiosa, utilizando un plano de la
basílica que se heredó de los romanos, un plano circular que se heredó
de los martiria y la cruz se heredó de los griegos. Esta Arquitectura se
caracteriza por multiplicar los arcos, las cúpulas, las columnas y las
bóvedas para conseguir un tamaño mayor. La obra más destacada de la
arquitectura bizantina es la Basílica de Santa Sofía que está en
Estambul.
Escultura bizantina
La escultura bizantina tiene como caracterizada una influencia oriental,
siendo un referente de la degeneración del imperio romano occidental,
siendo también era importante en este tipo de arte. Existían dos tipos
la grande y la pequeña. Estas esculturas eran formales, hieráticas y frontales.
Todas ellas se caracterizan por que tenían los ojos mirando hacia
arriba y muy grandes. Todas las esculturas son de piedra o de mármol y
los pequeños relieves eran creados de marfil.Podemos citar como
características principales: uniformidad, rigidez, falta de naturalidad,
presencia de líneas geométricas y follaje estilizado.
Mosaicos
Este
tipo de arte estaba muy generalizada en el imperio bizantino,
especialmente en la edad de oro, la época del reinado del emperador
Justiniano (526 a 565). Las imágenes de mosaico estaban formadas por
artistas que utilizaban los pedazos de piedra pequeños y coloridos
pegados en la pared. Imágenes religiosas y del emperador fueron los temas principales. Estos mosaicos son característicos por tener abundante color y luz,ejerciendo
funciones didácticas y sobre todo simbólicas. La técnica que se
utilizada es la de opus tesselatum y prácticamente se basa en mezclar
vidrios de color con piedras. Este tipo de mosaicos se pueden observar
en muchas cúpulas y muros interiores. En los muros el espacio es
simbólicamente dividido en tres partes: inferior para las
representaciones terrestres, media para las representaciones de
transición y superior para el cielo.
Cúpulas Bizantinas
Este tipo de cúpulas es el elemento más destacado en la arquitectura bizantina. Las cúpulas son numerosas, amplias y con forma circulares. Estos elementos de la arquitectura fueron evolucionando con el paso del tiempo hasta tener forma de cebolla.
Arcos Bizantinos
Los
arcos eran un elemento esencial de este tipo de arte. Podemos encontrar
varios arcos el arco ciego que normalmente era un elemento decorativo.
El arco medio punto que sostenía las paredes. Las arcadas paralelas que
se utilizaban para los muros externos. Estos arcos buscaban que los
muros se vieran más amplios y las iglesias pudieran contar con varias
ventanas para que entrara la luz natural y diera un simbolismo
espiritual.
Cúpulas Bizantinas
Este tipo de cúpulas es el elemento más destacado en la arquitectura bizantina. Las cúpulas son numerosas, amplias y con forma circulares. Estos elementos de la arquitectura fueron evolucionando con el paso del tiempo hasta tener forma de cebolla.
Arcos Bizantinos
Los
arcos eran un elemento esencial de este tipo de arte. Podemos encontrar
varios arcos el arco ciego que normalmente era un elemento decorativo.
El arco medio punto que sostenía las paredes. Las arcadas paralelas que
se utilizaban para los muros externos. Estos arcos buscaban que los
muros se vieran más amplios y las iglesias pudieran contar con varias
ventanas para que entrara la luz natural y diera un simbolismo
espiritual.
Columna Bizantina
Las columnas bizantinas solían ser decorativas y colaboraban con el juego de colores y de lucesque
caracterizaba a las obras bizantinas. La gran mayoría de ellas eran
color mármol, pero también se pueden encontrar de color rojo. Su
decoración estaba compuesta por una gran variedad de decoración pero
destacaban los intricados con motivos vegetales.
Iconoclastas
Este movimiento surge en Bizancio en el siglo VIII,
fue debido la discrepancia de una parte del clero que se indigna al
ver que los fieles adorando imágenes y por otro lado otra parte del
clero que considera indispensables las representaciones para la
educación religiosa del pueblo.
Iglesias más representativas del arte Bizantino
Iglesia de los Santos Sergio y Baco: en Constantinopla
Es una iglesia que mandó construir Justiniano cuando todavía era príncipe heredero, se trata de una capilla palatinaal
mismo tiempo que un martirium, donde guardaba las reliquias reales.Con
una planta centralizada, con un núcleo central en forma de octógono
cubierto con una cúpula que se apoya en ocho pilares. Al exterior
manifiesta una estética horizontal; se trata de un edificio muy macizo y
achaparrado, con predominio visual de la cúpula.
Iglesia de Santa Sofía de Constantinopla
Se construyó entre los años 532 y 537, inmediatamente después de la destrucción de la primitiva basílica constantiniana. Es una iglesia palatina construida junto al palacio imperial,
una construcción eminentemente grandiosa que el emperador mandó
construir para manifestar así su poder.Trabajaron en este edificio más
de diez mil obreros, participando todas las provincias del imperio con
sus materiales más preciados. El elemento más grandioso es su gran
cúpula.
Iglesia de Santa Irene de Constantinopla
Es un edificio del periodo Justiniano
que se estaba construyendo en el 532, que fue reconstruida en torno al
740 tras un terremoto. Su tipología es basílica con una cúpula central,
con tribunas en las naves laterales cubiertas con bóveda de cañón, en el
prebisterio, la exedra presenta un perfil semicircular y el exterior
presenta un perfil poligonal.
Iglesia de San Vital de Rávena
Se convierte en el prototipo de ciudad para conocer el arte de Justinianoya
que la herejía iconoclasta se llevará muchas obras de iglesias de
Constantinopla, pero esta permanecerá intacta. Se termina entre los
años 546 – 548. Está hecha de ladrillo. Es una iglesia palatina,
por lo que tiene planta centralizada; también es centralizada porque es
una iglesia martirium. Es semejante, por tanto, a la de los Santos
Sergio y Baco. Está formada por dos octógonos, uno inscrito dentro de
otro. El octógono central con pilares se extiende hasta el deambulatorio
mediante siete nichos formados por columnas y en el octógono
interior tiene un gran presbiterio, formado por dos partes: tramo recto
que ocupa la anchura del deambulatorio y remate en exedra. Está
encuadrado en dos pequeñas capillas y dos más grandes formadas por un
tramo circular y tramo rectangular.
Basílica de San Apolinar in Classe de Rávena
Se construyó esta basílica por mandato de Justiniano.
Su torre está exenta y es de planta circular con un exonártex y tres
naves.Los mosaicos de los intersticios y de la bóveda de horno son del
S.VI, la bóveda está presidida por un enorme clipio, que inserta una
cruz gamada sobre un fondo azul con estrellas, la bóveda celestial con
la representación de la mano de Dios, en la parte de arriba y a ambos
lados hay dos figuras, la de Elías y Moisés, recreando el tema de la
transfiguración, el momento en el que Cristo se va al monte con tres de
sus apóstoles: Pedro, Juan y Santiago, y se les manifiesta a partir de
luces y resplandores como el propio Dios junto a dos personajes: el
profeta Elías y Moisés.
Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX,
siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos
años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se
fueron sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional.
Denominado a este periodo fin de siècle y belle époque, pero Según los países recibió diversas denominaciones, como Art Nouveau, en Bélgica y en Francia, Jugendstil , en Alemania y los países nórdicos y Austria, Modern Style, en los países anglosajones, Nieuwe Kunst, en los países Bajos y Liberty o Floreale, en Italia.
Se buscaba crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que
rompiera con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición
academicista como los rupturistas y se trató de crear un arte de
inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades
derivadas de la revolución industrial, con materiales como el hierro y
el cristal.
Se puede confundir el arte modernocon el arte contemporáneo, pero no tienen nada que ver uno con otro.
El arte moderno es un concepto muy singular ya que tiene
diferentes ámbitos en el mundo del arte sobre todo en la estética, en
la historiografía, en la teoría de lo que es el arte y en el mercado. Y
es que este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la parte
productiva del arte que estará identificada con unas determinadas
definiciones de modernidad, es decir, para que lo entendáis mejor por
ejemplo el arte académico hace una representación de todo lo tradicional
del arte, mientras tanto este estilo de arte experimenta para sacar
cosas innovadoras. Es por ello por lo que este concepto es un tipo de arte estético y no cronológico
ya que cualquier limitación de tiempo es algo problemático para este
tipo de arte, para que lo entiendan mejor pongamos un ejemplo : El arte
que se realizaba en la Edad moderna ( desde el siglo XV a finales del
siglo XVIII) no era en sí el concepto de “arte moderno” que hoy en día
se conoce, sin embargo el arte que se realizaba en la Edad Contemporánea
sí que encaja en la definición de este concepto ¿Qué es el arte moderno? .
Los conceptos de arte contemporáneo y arte moderno,
como hemos dicho anteriormente, se utilizan frecuentemente de una
manera intercambiable, muchas veces son intercambiadas entre entornos
institucionales o en biografías especializadas, incluso hay en muchas
ocasiones en los cuales tiene similares ámbitos que se utilizan en
oposición, es decir, reservan al arte moderno con un tiempo indefinido
que puede estar entre los distintos movimientos del siglo XIX al siglo
XX. Esto ocurre porque muchas veces no hay una conformidad entre arte contemporáneo y arte moderno
y es por eso que mucha gente lo confunden, algo normal después de todo.
Pero para poder diferenciar al arte moderno del arte contemporáneo solo
tenemos que saber que este concepto como estético y no como cronológico
(como podría ser el caso del arte contemporáneo), para que lo entienda
mejor pondremos un ejemplo un pintor como puede ser William Adolphe
Bouguereau no realizaba obras de este estilo de arte , peroVincent Van Gogh sí que las realizaba. Si observáis dos obras de estos pintores notareis la diferencia entre una y otra.
En resumen para acabar de explicar que esta modalidad de arte debemos decir que el arte moderno fue una innovación del arte tradicional y es que este tipo de arte simboliza una manera nueva de entender la función del arte y la teoría.
Historia de este estilo de arte moderno
La
posición de innovación que tiene los artistas de esa época abre una
puerta a la libertad del ámbito artístico y por ello van desapareciendo
los rasgos relacionados con el arte hasta ese momento. Los artistas de
este tipo de arte hicieron una declaración en la deformación de las
cosas, sobre todo de los objetos, que se realizaba de forma deliberada,
cuyo objetivo era la búsqueda de satisfacción de cierto concepto poético
que las cosas poseían.
Es por ello por esas técnicas usadas en el arte por lo que nace el concepto de arte moderno,
que se define como el irracionalismo en su manera más grande, aunque
también tenemos que decir que esto no es una característica solo de este
tipo de arte ya que pasados los siglos ha habido muchos tipos de arte
que han presentado ese irracionalismo. Aun así tenemos que tener en
cuenta que este concepto es la definición más “artístico” es decir el
concepto más sencillo del arte, y es por eso por lo que este concepto es
el más incondicionalmente irracional hablando estéticamente que la
humanidad ha podido conocer. Por esto mismo es por lo que se le atribuye
la característica de irracional a este concepto, ya que se puede
observar el carácter impopular y revolucionario que tenía.
Características del arte moderno:
Se inspiraban en la naturaleza
y usaban elementos de origen natural pero con preferencia en los
vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con
el motivo central.
Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como en la decoración.
Había una tendencia a la estilización en los motivosy menos su representación realista.
Se utilizó imágenes femeninas
en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las ondas de
los cabellos de las mujeres y en los pringues de sus vestidos.
Tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando incluso al erotismo.
Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticosun gran ejemplo era el uso de estampas japonesas.
Movimientos más destacados del Arte Moderno
Cubismo:
movimiento artístico inspirado fundamentalmente en el arte de las
tribus de África y Oceanía, que se manifestó sobre todo en pintura, su
objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista
y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro
un objeto visto desde múltiples ángulos, rechazando la perspectiva y el
movimiento y dando primacía a la línea y la forma.Pintores cubistas importantes fueron: Pablo Picasso,
Georges Braque, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis
Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris.
Dadaísmo:movimiento
fundado en el 1916, por el escritor alemán Hugo Ball, el artista
alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zúrich y se unió a
este movimiento el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema
del Dadaísmo. Abarcaban todos los géneros artísticos y siendo la
expresión de una protesta nihilista contra la totalidad de los aspectos
de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente
durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después.
Surrealismo:creado en París tras la I Guerra Mundial, este movimiento del surrealismo se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Zúrich se unieron a los dadaístas franceses de París.
El surrealismo es un movimiento artístico y literario en la década de
los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Bretón.
Artistas de este movimiento son Max Ernst, Joan Miró, Salvador Dali,
René Magritte, Paul Delvaux, Frida Kahlo, Jean Arp, Leonor Fini, Alberto
Giacmetti, Vito Campanella, entre otros.
Movimientos de este concepto
Las
primeras obras encontradas de este concepto afectan a las etapas del
romanticismo y del realismo. Después de eso, unos años más tardes, se
empezó a hacer cambios en las luces y en los espacios lo que dio lugar
al posimpresionismo y al impresionismo.
Unos años después en la Primera guerra Mundial, se crearon los
movimientos de cubismo, expresionismo, futurismo y fauvismo, y más tarde
surgió el surrealismo.
En los años 50 y 60 aparecieron otras maneras de expresión de este tipo de arte que fueron el pop-art, el minimalismo y el expresionismo abstracto.
aqui les dejo un increible video con mucha mas imformacion sobre el arte moderno
El arte rupestre es todo aquel dibujo prehistórico que se halle en rocas y cavernas,
es la primera manifestación que en la era Prehistórica hizo el hombre a
través de pinturas, antes que comenzase la escritura. Siendo esta
manifestación artística considerada como una de las más antiguas de
las que se tiene constancia, ya que existen testimonios que se remontan a
40 mil años, o sea, tras la última glaciación.
El arte rupestre
es esencialmente una expresión espiritual primitiva, que ésta en casi
todas las épocas de la historia del ser humano y en todos los
continentes menos en la Artántida, siendo en España y en Francia donde
se encontraron las manifestaciones más antiguas y con mayor relevancia.
En resumen a todo esto podríamos decir que el hombre ha ido
representando en piedras, paredes rocosas y cuevas a millones de
animales, objetos o plantas, incluso hay pinturas rupestres que reflejan
la sucesos de la vida cotidiana, figuras geométricas o signos, entre
otros. Por ello, se consideran las obras más antiguas que representan el pensamiento y la destreza de la persona que realizó las pinturas.Es
por ello por lo que se piensa que antes de aparecer la escritura en la
vida humana, aparecieron las pinturas rupestres reflejando los
pensamientos, creencias y vivencias de sus autores. Estas obras
rupestres se representaban de forma sintética, dejando ver la capacidad
intelectual que tenía la humanidad para representar la realidad de esos
momentos.
Por ello el arte rupestre, nos da a entender que el ser humano, desde la prehistoria hasta la actualidad, organizaba una manera de representar artísticamente todo lo que estaba en relación con el ideal religioso-mágico
que tenían. No había un determinado sitio para realizar estas pinturas y
es por eso por lo que ha sido de gran dificultad encontrar alguna de
ellas ya que muchas se encontraban lejos de donde ellos habitaban en ese
momento.
Las obras rupestres no se encontraron hasta mitad del siglo XIX
en Europa que se encontró en varias cuevas diversos objetos creados con
hueso o piedra que estaban tallado con una imagen de algún animal. Pero
hasta el año 1879 no se descubrió las primeras pinturas, importante
hallazgo fue las pinturas rupestres en el techo de la cueva en Altamira
unos bisontes multicolores, en Santander, descubierta por Marcelino
Sanz de Sautuola. Al principio este hallazgo fue negado su autenticidad,
pensando que la sociedad prehistórica no tenían la capacidad para crear
estas representaciones. Pero cuando se empezaron ha encontrar más
hallazgos de estas representaciones en Francia y España la cosa ya
cambió.
Pero
las pinturas y grabados sobre las paredes de las cuevas y abrigos no
fueron la única expresión artística de la Prehistoria. También se realizó pintura sobre cantos rodados, escultura, cerámicas decoradas, objetos ornamentales.
Estilos principales del Arte Rupestre
Arte Paleolítico: datado entre 40.000 y 10.000 a. C., es el arte de cavernas profundas, galeriasrecónditas
y oscuras, representaciones naturales y estáticas. Usaban diferentes
colores rellenando toda la figura y no representaban figuras humanas,
sino animales como el bisonte, caballos, ciervos, osos, dibujándolos aislados o en grupo. Tambien se han encontrado representaciones de signos abstractos y de manos. La representación más importante fue la de las cuevas de Altamira.
Arte Levantino: datado entre 6.000 y 4.000 a.c., este estilo se da en abrigos o covachos de escasa profundidad donde la luz solar penetraba
sin dificultad. Se representaban animales como los cérvidos, cápridos y
bóvidos, en manadas o en solitario. Son representaciones de perfil con
los cuernos y pezuñas de frente, llamada esta técnica perspectiva
torcida. La representación de la figura humana adquiere
protagonismo llegando a ser el tema principal, aparecen escenas de
caza, danzas, luchas, de trabajo agrícola, recolección de miel, la
domesticación de animales, entre otras, resaltando el movimiento.
Se encontraron pinturas de Arte Levantino en Huesca, Lérida, en el sur
de Tarragona, Teruel, este de Cuenca, Valencia, entre otras ciudades.
Arte esquemático: datado
entre 4.000 y 1.000 a.c. Según en las zonas donde se ha encontrado las
manifestaciones, parece de origen propio o de una evolución del arte
Levantino. Las figura empiezan a ser muy sintéticas, incluso algunas inidentificables,
con una simplificación y esquematismo que lo podemos entender como un
paso a la abstracción. Aparecen figuras humanas y de animales muy
simplificadas, con composiciones escénicas, signos abstractos
desconocidos en el arte Levantino. Resalta la esencia y el dinamismo.
Técnicas destacadas, colores y temática de las pinturas rupestres
En
el Paleolítico las pinturas rupestres estaban caracterizadas por líneas
y animales. En el Neolítico se empezaron a representar seres humanos,
manos, animales, además se dibujaba el comportamiento que tenían frente a
las criaturas de su alrededor. Dentro las pinturas de animales lo que
más se representaban era renos, ciervos, caballos, mamuts y bisontes que
normalmente estaban heridos con lanzas o flechas. A la hora de hablar
del color solo utilizaban uno o dos colores, entre los que destacan
estarían el rojo, amarillo, ocre y negro. Estos colores se adquirían
material vegetal como podría ser el carbón, la arcilla o el óxido de
manganeso, entre otros.
Realmente no tenían una técnica muy elaborada ya que untaban los dedos con los colores y pintaban sobre una superficial, aunque también tallaban la dibujo en la roca,
incluso había algunos que cogían una caña y trazaban líneas con los
colores. Los lápices eran bolas ramas que quemaban o bolas de colorante
mineral mezcladas con resina. En muchas ocasiones la pintura rupestre
nos ha rebelado que los primitivos utilizaban las hendiduras de la pared
y sus desniveles para que se tuviera la impresión de realismo y
volumen.
Entre las más antiguas se cuenta las pinturas de la Cueva de Altamira, en Santallina del Mar, Cantabria, España.
Respecto
de la magnífica conservación que presentan muchas de estas piezas
artísticas, aún a pesar de la erosión, se debe mencionar que es
justamente por el soporte en el cual han sido pintadas el motivo de esa
perduración a través del tiempo.
En
tanto, la existencia de estas fabulosas creaciones demuestra a las
claras que desde tiempos inmemoriales el ser humano estuvo involucrado y
comprometido con el arte.
Ahora bien, en lo que respecta a la motivación nos encontramos con que
en algunos casos las pinturas rupestres tienen una fuerte carga
mágico-religiosa, utilizándoselas con la única razón de ser la antesala
de una caza exitosa. Cuando se trata de este tipo de situación, es común
que las mismas se hallen en aquellas zonas más recónditas y escondidas
de la caverna o cueva, en cambio, cuando las manifestaciones artísticas
se disponen a la vista de todos se cree que es la consecuencia de la
simple adopción del arte como una actividad más dentro de la vida
cotidiana de aquellos tiempos.
10 pinturas rupestres famosas
Cueva de Altamira: en
España, fue el primer lugar donde se encontró arte rupestre en el
Paleolítico Superior. Se conservan muy bien las pinturas encontradas,
con una longitud de unos 270 metros dentro de la cueva, siendo lo más
destacado sus pinturas policromas.
Refugios rupestres de Bhimbetka: en
la India, al pie de los montes Vindhyan, se encontró estas
manifestaciones de arte rupestre siendo declarado Patrimonio de la
Humanidad, siendo pinturas del periodo Mesolítico llegando a épocas
recientes.
Cueva de Magura:
en Bulgaria, sus pinturas están decoradas con guano de murciélago y
representan distintas escenas de personas cazando y bailando, animales y
plantas, teniendo la cueva una longitud de unos a 2.500 metros.
Cueva de las manos:en
Argentina, es la expresión artística más antigua conocida de los
pueblos indígenas hace 12.000 años. En sus paredes se encuentran
impresas las 729 manos que dan nombre a la cueva, así como guanacos,
figuras geométricas y escenas de la vida cotidiana, siendo también
Patrimonio de la Humanidad.
Pinturas rupestres de Kakadu: en Australia,se
encuentra el Parque Nacional de Kakadu, con más de 5.000 yacimientos y
diferentes emplazamientos rupestres que contienen vestigios del arte de
los aborígenes australianos que habitaron el lugar hace 20.000 años.
Pinturas de Ukhahlamba-Drakensberg:en Sudáfrica,sus tribus dejaron en sus pinturas las huellas de sus costumbres y de sus tradiciones religiosas, hace unos 8.000 años.
Cueva de Lascaux : en Francia, sus
pinturas datan de entre los 13.000 y los 25.000 años a. d. C. Fue
descubierta por casualidad en el año 1940, con el fin de preservar las
pinturas la cueva fue cerrada al público y se ha habilitado una réplica
de los emplazamientos más característicos del sitio
Pinturas de Twyfelfontein:en Namibia,donde
se encuentra la mayor concentración de arte rupestre de África,
también declarado como Patrimonio de la Humanidad en el año 2007.
Cueva Chauvet: en
Francia, siendo las representaciones de mamuts, rinocerontes, leones y
osos los más importantes , descubierta en el año 1994.
Líneas de Nazca: en Perú, siendo
lo geoglifos los más famosos del mundo, trazando líneas, que forman
trazados geométricos perfectos y representan animales, plantas, siluetas
humanas y laberintos, llegan a medir 275 metros de largo.
Aquí podemos ver un breve vídeo explicativo sobre el Arte rupestre
El expresionismo abstracto:Se
basa en la emoción, en la expresividad del color, y en las
manifestaciones psicológicas del artista, rechazando totalmente la
figuración.
El Neoplasticismo: es un arte que excluye toda clase de emociones, se rige por las reglas matemáticas y la simplificación radical de la geometría.
El Constructivismo:donde las obras son amplia y artísticamente representadas
El Informalismo: Es
un arte abstracto no geométrico, que reivindica la materialidad de la
pintura y sus múltiples posibilidades técnicas, rechazando la forma
figurativa y la no figurativa, asumiendo el color como su materia y
sujeto del cuadro.
El Abstraccionismo Lírico:sus principios básicos son el sosiego, la quietud, el equilibrio y la armonía.
En resumen el arte abstracto
no es más que una manera de enseñarle al mundo que no solo se puede
mostrar sentimientos con figuras o con la visión de nuestra realidad,
hay veces en las que debemos mirar más allá de nuestra realidad para
encontrar lo que es el verdadero arte.
El arte abstracto y los niños
Los niños pueden captar el concepto del arte abstracto,
más fácil que los adultos, cuando se explica en términos sencillos y se
ilustra con visuales, dado que ellos niños suelen crearlo sin darse
cuenta ya que los intentos de los niños de copiar lo que ven en papel
suelen resultar un arte que se parece poco al original y no es por tanto
identificable para otros, aunque el niño pueda explicarlo fácilmente.
Pintores más destacados del arte abstracto
Robert Delaunay
nació
en París en el 1885, durante un tiempo cultivó el cubismo, pero pronto
se fue a la abstracción, sobre todo se dedicó al color y la luz,
utilizando colores vivos organizados libremente en torno a una
estructura geométrica bastante elemental. Este propósito lo consiguió en
sus Ventanas. creando planos trasparentes de formas geométricas donde
apenas hay dibujo, con una iluminación independiente y el motivo de la
ventana irá poco a poco perdiéndose hasta llegar a ser cuadros
totalmente abstractos.
Piet Mondrian:
nació en Nueva York en el 1872. Aspiraba
a una pintura no sentimental, no subjetiva, independiente de cualquier
carga histórica, cultural o geográfica, con línea recta y el ángulo
recto, es decir, a la horizontal y al vertical y a los tres colores
primarios, junto con el blanco, el gris y el negro, y no los que
resultan de sus combinaciones. A este nuevo lenguaje artístico lo llamó
Neoplasticismo.
Wassily Kandinsky:
nació en Moscú en el1866. Llegó
a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está destinada a
despertar la emoción en el espectador, expresa el espíritu, la realidad
interior, los estados de ánimo, los sentimientos. En 1910 ejecutó la
primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta.
Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas
coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La fluidez
de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un
espacio de gran dinamismo, empezando a pintar lienzos llenos de manchas
cromáticas y formas simplificadas, alejándose del natural. Su tendencia
hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que él mismo
denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones.
Si deseas seguir conociendo sobre arte, entra al espacio: Tipos de Arte.
aqui un video de las tecnicas mas pupulares del arte adstracto
Para entender que es el arte abstractoprimero
hay que saber que es abstracto. La abstracción es el acto y el
resultado de abstraer, lo que no se puede percibir directamente a través
de los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se aleja del aspecto
exterior de una realidad. Cuando la palabra se aplica al ámbito
artístico o a un artista, describe a la intención de no representar
seres u objetos concretos, contemplando solo elementos de forma,
color, estructura o proporción.
¿Cuando surgió el arte abstracto?
La abstracción no es un invento del arte moderno occidental.
En la prehistoria y otras culturas llevan siglos practicando y
admirando artes visuales abstractas como la caligrafía, habiendo una
infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas
desde el origen del arte.
Desde el Renacimiento en adelante la preocupación por recrear la ilusión de la realidad domina las artes visuales
como la pintura o la escultura y hasta la llegada del Impresionismo los
pintores invirtieron las prioridades en la representación y dieron una
mayor importancia al procedimiento pictórico alejándolos de las
apariencias externas de la realidad.
A medida que el arte figurativo entra en crisis, el arte abstracto
se va abriendo el camino con un nuevo concepto para captar la
realidad y con ayuda del expresionismo o el cubismo, que reaccionan
contra el realismo explorando distintas maneras independientemente de la
realidad.
El arte abstracto
surge en el año 1910 en Munich, de la mano del artista ruso Wasily
Kandinsky, exponiendo las primeras ideas sobre el arte abstracto, cuyas
consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más
significativas de siglo XX , siendo una idea contraria al pensamiento
del arte figurativo.
El arte abstracto
no representa figuras, objetos o personas, sino que utiliza un
lenguaje visual propio con unos significados variados, realizando formas
abstractas, sin imitar o representar fielmente de lo natural. Es un
estilo que hace foco en los detalles formales, estructurales y
cromáticos y los profundiza a través de la acentuación de su valor y su
poder expresivo.
Cuando se inició el arte abstractohubo
grandes polémicas y discrepancias, se decía que no era en sí arte, en
tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el
geometrismo, pero según pasa el tiempo se ha convertido en una fuente
inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo siendo ahora
cuando nadie se atreve a poner en duda su existencia e identidad como un
arte propio.
La definición de este concepto incluye a muchas artes visuales como pueden ser la pintura, escultura o las artes gráficas aunque también se puede ver este arte en algunas artes plásticas un ejemplo de esto puede ser la arquitectura. En resumen el arte abstracto se pueden encontrar en cualquier categoría de arte tradicional incluso en la música, la danza o la literatura. Aunque sea un arte abstracto menos conocido hay pruebas de que existen tales expresiones.
Una obra abstracta
no puede hacer alusión a algo exterior a la obra, es decir, esta obra
da a ver una nueva realidad muy distinta a la que vemos. Por ello, el
arte abstracto es el que remplaza toda clase de figuración (Paisajes,
figuras, objetos, formas geométricas, etc.). Por lo tanto, el arte abstracto no
considera la necesidad de hacer una representación figurativa por lo
que suele cambiarla por un lenguaje visual que tiene propio significado.
Para entender un poco más sobre el lenguaje del este concepto de arte
tendremos que visualizar la forma, la línea de representar una
estructura la cual puede ser diferente a la visión que tenemos en la
realidad y por último tendremos que saber el significado del color.
Al terminar la Segunda Guerra Mundial surgió el movimiento artístico expresionismo abstracto.
Sus bases se encontraban en el surrealismo, combinando diferentes
técnicas en una misma obra. Un importante estilo que se vuelve muy
popular en este movimiento es el collage, que utiliza mezclas de diferentes materiales o elementos.
Características del arte abstracto
Se aleja de la mímesis de la apariencia externa, la obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad.
El
grado de abstracción puede ser parcial, conservando partes del natural y
modificando otras, o absoluto, donde no existen rastros reconocibles
figurativos.
Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.
Los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.
El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje .
Por qué se dice que el arte abstracto esta fuera de la realidad?
En
realidad la respuesta a esta pregunta es relativamente fácil ya que lo
abstracto aleja la realidad. Este alejamiento puede ser de forma ligera,
parcial o completa, por ello el concepto de abstracto tiene tres
grados. Por lo tanto, una obra de arte que se mezcla la forma y el color
puede considerarse una parte de ella abstracta. Una obra la cual no se
puede observar ningún tipo de trazado, que nada se puede reconocer y que
mezcla colores es una obra completamente abstracta. Esa obra
completamente abstracta se denomina así porque es completamente pura en
abstracción ya que no se basa en una realidad natural.
El término impresionista se aplica en diferentes artes como música
y literatura y su vertiente más conocida es la pintura. El movimiento plástico
impresionistas se desarrollo a partir de la segunda mitad del siglo XIX en
Europa, principalmente en Francia, caracterizado a grandes rasgos por el
intento de plasmar la luz (la “IMPRESIÖN” visual) y el instante sin reparar en
la identidad de aquello que la proyectaba
Es decir si sus antecesores pintaban formas con identidad, los
impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas de colores
muy naturales. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo
con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet “Impresión: sol
naciente”. Su principal representante fue Édouard Manet y Renoir. Tienden a
usar tres colores puros y sin mezclarlos, sobre todo usaban los tres colores
"primarios y sus complementarios, y no usaban tonalidades de negros.
pardos o terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y
sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue
convirtiendo en el gran protagonista de la figura y el paisaje
POSTIMPRESIONISMO
Este término se aplica a los estilos pictóricos de finales del
siglo XIX y principios del XX - después del impresionismo. El Nombre nació por
el crítico británico Roger Fry en 1910, con motivo de una exposición de arte en
Londres con pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Los
post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta
de la pintura con pinceladas gruesas a manera de manchas de color y pintaban
temas de la vida real, pero con más emoción y expresión en tal pintura.
Aunque los post-impresionistas basaron su obra en el uso del color
experimentado por los impresionistas, ya no querían reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más personal del mundo. Seurat, que también
se unió al grupo inventó una técnica denominada puntillismo, con puntos de
colores que van componiendo la escena del cuadro.
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso
expresivo del color y una mayor libertad para pintar.
Vincent Van Gogh pintó esta obra en 1889. Es una de las más famosas
de su catálogo y muestra la vista que el artista tenía desde la habitación de un
hospital psiquiátrico de Saint Rémy de Provence, donde se recluyó en la última
etapa de su vida. La pintura es parte de la colección del Museo de Arte Moderno
de Nueva York. En 1888, Van Gogh escribió a su hermano Théo: “Necesito una
noche estrellada con cipreses o, tal vez, por encima de un campo de trigo
maduro”. Un año después, esa noche se convertiría, mediante un lienzo, en una
de sus obras más famosas.
FAUVISMO
Fovismo o
Fauvismo (del francés fauve pronunciado “fov”: fiera), término para denominar
el estilo pictórico de características impresionistas tales como el uso de
colores intensos, principalmente el verde. Buscan la fuerza expresiva del color
aplicando colores distintos a los que pueden verse en la realidad, por
ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color verde esmeralda.
En 1904
Henri Matisse (padre del fovismo), pintó Lujo, Calma y Voluptuosidad,
considerada como la obra síntesis del postimpresionismo. Estas pinturas
utilizan colores chillones y una simplificación del dibujo sorprendieron a
todos cuando fue expuesto en el Salón de los Independientes en 1905 en París
donde el crítico de arte Louis Vauxcelles les dió este nombre al llamarles: “fieras”;
que en nuestros términos sería: ¡bestias!. Allí también se expuso el Retrato de
la Sra. Matisse de Matisse, que fue interpretado como una caricatura de la
feminidad y como una excentricidad. La repulsa de la crítica les convirtió a
los artistas fovistas en el grupo más avanzado de Paris.
EL CUBISMO
El cubismo fue
un movimiento artístico desarrollado entre 1907 1914, nacido en Francia y
encabezado por Guillaume Apollinaire, pero también teniendo como principales
fundadores a Pablo Picasso. Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las
formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas
las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera
vanguardia ya que rompe con el principio renacentista de la perspectiva que fue
la característica de toda la pintura anterior, además es un avance pues la obra
trata de que los objetos representados se descompongan en planos para verlos
desde diferentes lados. Nació en el Salón de los Independientes donde esta vez
el crítico francés Louis Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una
pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así de concepto de
«cubismo».
A pesar de
ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre
ellos se encuentran sobre todo bodegones paisajes y retratos donde creen que la
pintura es algo más que la copia fiel de un objeto, sino que es necesario más
bien interpretar la realidad con formas
EL FUTURISMO
El Futurismo fue otra vanguardia que buscaba
reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las
cosas, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este
movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo buscando
lograr un efecto de movimiento en sus cuadros mediante la sucesión de imágenes.
Es un arte
que proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un
arte orientado al futuro, que respondiese a la técnica moderna y de la sociedad
masificada de las grandes ciudades representando la belleza de la velocidad.
Nace en
Italia un grupo liderado por Marinetti con artistas como los pintores Russolo,
Carrá, Boccioni, Baila o Severini. La importancia que tuvo el
Futurismo, a comienzos del siglo XX, más allá de sus méritos artísticos , fue
la de tratar de crear una estética comenzando desde cero, de este modo,
haciendo una renovación espectacular de los principios y las técnicas
artísticas, con lo que ha influenciado con consecuencias, incluso, hasta la
actualidad.
EL EXPRESIONISMO
El
expresionismo es entendido como una deformación de la realidad para indicar de
forma más expresiva la naturaleza y el ser humano, dando importancia a la
expresión de los sentimientos más que a la descripción natural de la realidad.
Fue uno de los primeros
movimientos artísticos llamados ismos o también consideradas vanguardias
artísticas y su valor como movimiento que vino a romper las antiguas reglas
establecidas en el arte es que preparó el camino
para las demás corrientes que vinieron a cambiar el panorama de la pintura del
siglo XX. Su principal exponente es Edvard Munch un pintor y grabador noruego
con obras que tratan sobre la angustia y que influyeron profundamente en el
expresionismo alemán, sus obras se caracterizan por la capacidad de expresión
con una gama cromática fuerte, así como por las figuras contorsionadas que son
capaces de transmitir un gran clima de angustia.
Munch abre la posibilidad que el artista
comience a expresar sus miedos personales e incluso sus frustraciones, se nota
la representación del desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez
más compleja y confusa que es la característica fundamental de esta corriente.
DADAÍSMO
Es un
movimiento artístico que busca la libertad del individuo en contra de la
eternidad de todo principio incluida la belleza. Busca la contradicción, el
caos y la imperfección; se va en contra de la lógica. Sus principales
exponentes son: Ball, Arp, Duchamp, Picabia Man Ray entre otros.
El Dadaísmo
se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y
especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su
actividad se extendió a una gran variedad de manifestaciones artísticas, desde
la poesía y la escultura pasando por la pintura hasta la música.
El Dadaísmo
viene de una sucesión de palabras, letras y sonidos sin lógica. Se distingue
por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por una
constante negación a todo. Se caracteriza por gestos y manifestaciones
provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones
con respecto a arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento
dadaísta es un movimiento antiartístico, anti literario y antipoético que cuestiona
la existencia del arte, la literatura y la poesía.
EL
SUREALISMO
Nace como
una continuación al Dadaismo, ambos movimientos artísticos se expresaron en la
literatura y la pintura. Las principales características del surrealismo son
las que le atribuyen a su nombre, buscar la realidad no existente es decir que
no se basará en ninguna secuencia o pensamiento lógico y que no tuviera ninguna
explicación razonable. Da rienda suelta a la imaginación en escenas sacadas de
sueños.
Se divide en
dos corrientes
El Surrealismo figurativo que
enfatiza en situaciones e imágenes
exageradas y llenas de mucha imaginación pintados con colores moderados, y
El surrealismo abstracto, en el que
sobresale el pintor español Joan Miró. Realizado con líneas y colores más
liberal y fuera de sentido alguno, esta forma de surrealismo utiliza colores
más brillantes y generalmente los primarios.
El surreaslismo creía la existencia de otra
realidad y en el pensamiento libre.
El
arte generativo por definirlo de alguna manera se podría decir que es
un subgénero del arte digital que brinda la posibilidad de crear una
obra por sistemas informáticos mediante unos parámetros alternativos que
son establecidos por el artista. Normalmente, se crea a través de un
ordenador el cual realiza diferentes cálculos con el fin de crear
diversas cosas como por ejemplo un sonido o una imagen que han utilizado
dichos parámetros que ha impuesto el autor de la obra. Este tipo de
subgénero suele ser utilizado en la música electrónica, en la literatura
cut – up y en el arte fractal.
